Në krye të arieve më emocionale, të përzemërta të operës botërore. Kryevepra muzikore

Kryevepra muzikore. Hyjnore Opera Arias

Vesti La Guibba

"Pagliacci", Ruggero Leoncavallo

“Vesh një kostum” është përkthimi i titullit të një prej arieve më të njohura në botë. Ajo interpretohet nga Canio, heroi i operës "Pagliacci", në momentin kur mëson për tradhtinë e gruas së tij, por shfaqja duhet të vazhdojë - shfaqja duhet të zhvillohet në çdo rast. I torturuar nga mundimet e xhelozisë dhe padrejtësia e fatit, ai përgatitet të dalë në skenë. Dhe nëse nuk ndjeni asgjë gjatë kulmit të aries (1:54 - 2:36), atëherë nuk keni zemër.

La Mamma Morta

"André Chénier" nga Umberto Giordano

Aria "They Killed My Mother" nga opera "André Chénier", pak e njohur për publikun e gjerë, fitoi popullaritet falë paraqitjes së saj në filmin "Philadelphia", ku heroi i prekur nga SIDA e Tom Hanks e dëgjoi atë me emocione. përballë avokatit të tij, duke lënë një përshtypje të pashlyeshme si te avokati, ashtu edhe te akademikët e filmit që i dhanë Hanksit një Oscar.

E Lucevan Le Stelle

"Tosca", Giacomo Puccini

Zemërthyese, plot dëshpërim Aria “The Stars Shined” këndohet nga Mario Cavaradossi, duke kujtuar të dashurin e tij Tosca pak minuta para ekzekutimit të tij. Melodia e trishtë e interpretuar nga klarineta përsëritet edhe në momentin kur Toska hidhet nga shkëmbi.

Celeste Aida

“Aida”, Giuseppe Verdi

Radames, një luftëtar i ri egjiptian, këndon për dashurinë e tij të fshehtë për "Aidën hyjnore" në aktin e parë të operës. Ai ëndërron të bëhet një udhëheqës ushtarak, të fitojë dhe të marrë zemrën e skllaves Aida, vajzës së mbretit egjiptian. Në fund, siç e dimë, të dy do të vdesin dhe kjo na bën të trishtueshme arien e ndritshme për dashurinë dhe ëndrrat.

Aria e Lenskit

"Eugene Onegin", Pyotr Tchaikovsky

Aria e trishtuar "Ku, ku ke shkuar?", e njohur më mirë thjesht si "Aria e Lenskit", është reflektimi i poetit të ri për fatin e tij dhe Olgën e tij të dashur. Menjëherë pas përfundimit të arisë, Onegin do të shfaqet dhe dueli nuk do të përfundojë në favor të Lensky.

Aria e Princit Igor

"Princi Igor", Alexander Borodin

Në përgjithësi, fragmenti më i famshëm i operës "Princi Igor" është "Kori i Vajzave Polovtsian", i cili është ngulitur fort në kulturën pop, por ky është një kor, dhe këtu kemi një përzgjedhje të arieve më të mëdha. Dhe në këtë rast, arija dramatike e princit të robëruar Igor, plot vetëdije për turpin dhe dështimin, është përtej konkurrencës. Ne zgjodhëm performancën mahnitëse të Dmitry Hvorostovsky.

Una voce poco fa

"Berberi i Seviljes", Gioachino Rossini

Rosina, heroina e operës "Cirku i Seviljes" Yulnik", këndon arien e tij të famshme "In the Silence of Midnight" (në versionin rus) me humor dhe lehtë, duke ndryshuar humorin e tij ndërsa performanca përparon. Kuptimi i arisë zbret në faktin se Rosina dëshiron të martohet, dhe në mënyrë që burri i saj të mos e kundërshtojë atë. Në këtë rast, ajo do të jetë një grua shumë e nënshtruar. Nëse i shoqi tregon karakter, ajo planifikon të bëhet viks.

Ju mund të mbështesni projektin tonë këtu:

Me origjinën si një imitim i modeleve perëndimore, opera ruse ka dhënë një kontribut më të çmuar në thesarin e të gjithë kulturës botërore.

Duke u shfaqur në epokën e lulëzimit klasik të operës franceze, gjermane dhe italiane, opera ruse në shekullin e 19-të jo vetëm që u kap me shkollat ​​klasike të operës kombëtare, por edhe i kaloi ato. Është interesante që kompozitorët rusë tradicionalisht zgjodhën tema të një natyre thjesht popullore për veprat e tyre.

"Jeta për Carin" nga Glinka

Opera "Një jetë për Carin" ose "Ivan Susanin" tregon për ngjarjet e vitit 1612 - fushatën polake të zotërinjve kundër Moskës. Autori i libretit ishte Baroni Yegor Rosen, megjithatë, në kohët sovjetike, për arsye ideologjike, redaktimi i libretit iu besua Sergei Gorodetsky. Premiera e operës u shfaq në Teatrin Bolshoi në Shën Petersburg në 1836. Për një kohë të gjatë, roli i Susanin u interpretua nga Fyodor Chaliapin. Pas revolucionit, "Jeta për Carin" u largua nga skena sovjetike. Kishte përpjekje për ta përshtatur komplotin me kërkesat e kohërave të reja: kështu u pranua Susanin në Komsomol, dhe rreshtat e fundit tingëlluan si "Lavdi, lavdi, sistemi Sovjetik". Falë Gorodetsky, kur opera u vu në skenë në Teatrin Bolshoi në 1939, "sistemi sovjetik" u zëvendësua nga "populli rus". Që nga viti 1945, Teatri Bolshoi ka hapur tradicionalisht sezonin me prodhime të ndryshme të Ivan Susanin të Glinkës. Produksioni më i madh i operës jashtë vendit ndoshta u realizua në La Scala të Milanos.

"Boris Godunov" nga Mussorsky

Opera, në të cilën Cari dhe njerëzit janë zgjedhur si dy personazhe, filloi nga Mussorgsky në tetor 1868. Për të shkruar libreton, kompozitori përdori tekstin e tragjedisë së Pushkinit me të njëjtin emër dhe materiale nga "Historia e Shtetit Rus" të Karamzin. Tema e operës ishte mbretërimi i Boris Godunov pak më parë Koha e telasheve" Mussorgsky përfundoi botimin e parë të operës Boris Godunov në 1869, i cili u paraqit në komitetin e teatrit të Drejtorisë së Teatrove Perandorake. Megjithatë, recensentët e refuzuan operën, duke refuzuar ta vënë në skenë për shkak të mungesës së një roli të fortë femëror. Mussorgsky futi në opera aktin "polak" të lidhjes së dashurisë midis Marina Mniszek dhe Dmitry False. Ai shtoi gjithashtu një skenë monumentale të një kryengritjeje popullore, e cila e bëri fundin më spektakolar. Pavarësisht të gjitha rregullimeve, opera u refuzua përsëri. Ajo u vu në skenë vetëm 2 vjet më vonë në 1874 në skenën e Teatrit Mariinsky. Opera u shfaq jashtë vendit në Teatrin Bolshoi në Operën e Madhe të Parisit më 19 maj 1908.

"Mbretëresha e Spades" nga Çajkovski

Opera u përfundua nga Çajkovski në fillim të pranverës së vitit 1890 në Firence dhe produksioni i parë u zhvillua në dhjetor të po atij viti në Teatrin Mariinsky në Shën Petersburg. Opera u shkrua nga kompozitori me kërkesë të Teatrit Perandorak dhe për herë të parë Çajkovski refuzoi të merrte urdhrin, me argumentin se refuzimi i tij ishte për shkak të mungesës së "prezencës së duhur skenike" në komplot. Është interesante që në tregimin e Pushkinit personazhi kryesor mban mbiemrin Hermann (me dy "n" në fund), dhe në opera personazhi kryesor. aktor bëhet një njeri me emrin Herman - ky nuk është një gabim, por një ndryshim i qëllimshëm i autorit. Në 1892, opera u vu në skenë për herë të parë jashtë Rusisë në Pragë. Tjetra - prodhimi i parë në Nju Jork në 1910 dhe premiera në Londër në 1915.

"Princi Igor" Borodin

Libreti u bazua në monument letërsia e lashtë ruse"Përralla e fushatës së Igorit". Ideja për komplotin iu sugjerua Borodinit nga kritiku Vladimir Stasov në një nga mbrëmjet muzikore të Shostakovich. Opera u krijua gjatë 18 viteve, por nuk u përfundua kurrë nga kompozitori. Pas vdekjes së Borodin, puna për veprën u përfundua nga Glazunov dhe Rimsky-Korsakov. Ekziston një mendim se Glazunov ishte në gjendje të rindërtonte nga kujtesa uverturën e operës që ai dëgjoi dikur në shfaqjen e autorit, megjithatë, vetë Glazunov e mohoi këtë mendim. Përkundër faktit se Glazunov dhe Rimsky-Korsakov bënë pjesën më të madhe të punës, ata këmbëngulën që Princi Igor ishte tërësisht një opera e Alexander Porfiryevich Borodin. Opera u shfaq premierë në Teatrin Mariinsky në Shën Petersburg në 1890 dhe 9 vjet më vonë u pa nga publiku i huaj në Pragë.

"Keli i artë" nga Rimsky-Korsakov

Opera "The Golden Cockerel" u shkrua në vitin 1908 bazuar në përrallën Pushkin me të njëjtin emër. Kjo opera ishte vepra e fundit e Rimsky-Korsakov. Teatrot perandorake refuzuan të vënë në skenë operën. Por sapo shikuesi e pa atë për herë të parë në 1909 në Shtëpinë e Operës së Moskës të Sergei Zimin, opera u vu në skenë në Teatrin Bolshoi një muaj më vonë, dhe më pas filloi marshimin e saj triumfal nëpër botë: Londër, Paris, Nju Jork, Berlin, Wroclaw.

"Zonja Makbeth e Mtsensk" nga Shostakovich

Ideja për operën filloi me Alexander Dargomyzhsky në 1863. Sidoqoftë, kompozitori dyshoi në suksesin e tij dhe e konsideroi veprën si "inteligjencë" krijuese, "argëtim me Don Zhuanin e Pushkinit". Ai i shkroi muzikë tekstit të Pushkinit "The Stone Guest" pa ndryshuar asnjë fjalë të vetme. Sidoqoftë, problemet me zemrën nuk e lejuan kompozitorin të përfundonte veprën. Ai vdiq, duke u kërkuar miqve të tij Cui dhe Rimsky-Korsakov të përfundonin punën në testamentin e tij. Opera u prezantua për herë të parë para publikut në vitin 1872 në skenën e Teatrit Mariinsky në Shën Petersburg. Premiera e huaj u zhvillua vetëm në 1928 në Salzburg. Kjo opera është bërë një nga "gurët themelues"; pa dijeninë e saj është e pamundur të kuptosh jo vetëm muzikën klasike ruse, por edhe kulturën e përgjithshme të vendit tonë.

Operat më të njohura në botë

Gjatë pesë sezoneve të fundit 2005/06 - 2009/10, u zhvilluan më shumë se 100,000 shfaqje operash, u vunë në skenë 2,156 opera të ndryshme, më shumë se 300 (çdo e shtatë) ishin premiera.

Liderët, " flaut magjik" dhe "La Traviata" u interpretuan pothuajse të njëjtin numër herë.

Në njëqind operat më të njohura ka vetëm dy vepra të krijuara nga kompozitorët e shekullit të 20-të, "Zonja Makbeth" nga D. D. Shostakovich dhe "Kthesa e vidës" nga B. Britten.

200 operat më të njohura përfshinin dy vepra të kompozitorëve të gjallë - "Ditari i Anne Frank" nga G. Fried dhe "Dead Man Walking" nga J. Heggie.

Operat më të njohura (të interpretuara) gjatë 5 viteve të fundit.

*Statistikat e sakta janë të rëndësishme për Evropën dhe Amerika e Veriut, për vendet e tjera shifrat mund të jenë të përafërta.

Montserrat Caballe ( emri i plotë: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch (kat. Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) - Këngëtarja spanjolle e operës katalanase, soprano. Ajo është e famshme për teknikën e saj bel canto dhe interpretimin e roleve në operat klasike italiane nga Rossini, Bellini dhe Donizetti. Montserrat Caballe lindi në Barcelonë më 12 prill 1933. Ajo studioi për 12 vjet në Conservatoire Superior de Musique de Barcelona dhe u diplomua me një medalje ari në 1954. Në vitin 1957 ajo bëri debutimin e saj në skenën e operës në rolin e Mimi në operën La Bohème. Në vitet 1960-1961 ajo këndoi në Operën e Bremenit, ku zgjeroi ndjeshëm repertorin e saj. Në vitin 1962 ajo u kthye në Barcelonë dhe bëri debutimin e saj në Arabella të Richard Strauss. Në vitin 1964, ajo u martua me Bernab Marti. Ngritja e saj në skenën ndërkombëtare ndodhi në vitin 1965 në New York në Carnegie Hall, kur ajo u detyrua të zëvendësonte Marilyn Horne të sëmurë dhe të interpretonte pjesën në Lucrezia Borgia të Donizettit. M'u desh më pak se një muaj për të zotëruar rolin. Performanca e saj u bë një sensacion në botën e operës; publiku duartrokiti për 25 minuta. Të nesërmen, New York Times botoi titullin: "Callas + Tebaldi = Caballe". Po atë vit, Caballé bëri debutimin e saj në skenë në Glyndebourne në Le Knight de la Rose dhe menjëherë më pas në Metropolitan Opera si Marguerite në Faust. Që nga ajo kohë, fama e saj nuk u shua kurrë - skenat më të mira të operës në botë ishin të hapura për të - Nju Jork, Londër, Milano, Berlin, Moskë, Romë, Paris. Në shtator të vitit 1974, ajo iu nënshtrua një operacioni të rëndë për kancer në stomak. Ajo u shërua dhe u kthye në skenë në fillim të vitit 1975. Ajo bëri shfaqjen e saj të 99-të dhe të fundit në Metropolitan Opera më 22 janar 1988, si Mimi në La Bohème të Puçinit, përballë Luciano Pavarotti (Rodolfo). Në vitin 1988, së bashku me vokalistin e Queen Freddie Mercury, ajo regjistroi albumin "Barcelona", kënga kryesore e të cilit me të njëjtin emër u bë një super hit në fillim të viteve '90 dhe zuri vendin e parë në top listat evropiane. Ky këngë u bë himni i Lojërave Olimpike Verore 1992. Pas vdekjes së Freddie Mercury, zëri i tij dëgjohet në regjistrim dhe Montserrat Caballe refuzon ta këndojë këtë këngë në një duet me këngëtarë të tjerë. Deri vonë ajo drejton imazh aktiv jeta, dhe nuk ka shenja lodhjeje, si në aspektin krijues ashtu edhe në atë social. Caballe i është përkushtuar aktiviteteve bamirëse; ajo është ambasadore e vullnetit të mirë të UNESCO-s dhe ka krijuar një fond për të ndihmuar fëmijët.

Kiri Janette Te Kanawa është një këngëtare opere dhe soprano lirike nga Zelanda e Re. Një nga këngëtarët kryesorë të operës së kohës sonë me një zë të ngrohtë, të bukur dhe një repertor shumë të gjerë me role operistike në gjuhë të ndryshme. Kiri Te Kanawa (lindur Claire Mary Teresa Rostron) më 6 mars 1944 në Gisborne, Zelanda e Re nga një nënë irlandeze dhe babai maori, por pak dihet për prindërit e saj sepse Ajo u birësua nga familja Te Kanawa si një foshnjë; prindërit e saj birësues ishin gjithashtu Maori dhe Irlandez. Ajo mori arsimin e saj të përgjithshëm dhe muzikor në Auckland dhe adoleshencës dhe rinia ajo ishte tashmë një këngëtare e njohur në klubet e Zelandës së Re. Në të njëjtën kohë, ajo mblodhi të gjitha çmimet e rëndësishme të muzikës në Australi dhe Zelandën e Re. Në vitin 1963, ajo ishte e dyta në konkursin "Mobil (Lexus) Song Quest", vendin e parë atë herë e zuri një tjetër këngëtare e famshme operistike nga Zelanda e Re. , Malvina Major. Në vitin 1965, vetë Kiri Te Kanawa u bë fituese e të njëjtit konkurs me arinë "Vissi d'arte" nga opera "Tosca" e Puccinit. Në vitin 1966 fitoi konkursin australian "Sun-Aria" dhe si fituese mori një çmim. grant për të studiuar në Londër. Në të njëjtin vit, pa një audicion, ajo hyri në Qendrën për Këndimin e Operas në Londër, ku mësuesit vunë re talentin e saj dhe mungesën fillestare të teknikës vokale. Ajo bëri debutimin e saj në skenën e operës në 1968 si Zonja e dytë në Flautin Magjik të Mozartit në Teatrin e Londrës. Sadler's Wells", e ndjekur menjëherë nga rolet në Dido dhe Eneas të Purcell dhe roli kryesor në Anne Boleyn të Donizettit. Në vitin 1969, gjatë audicionit për rolin e konteshës në Le nozze di Figaro Kryedirigjenti Colin Davis tha: "Nuk mund ta besoja. Për veshët e mi, bëra një mijë audicione dhe ishte një zë fantastikisht i bukur." Royal Opera House Covent Garden nënshkroi një kontratë me Kiri Te Kanawa për tre vjet dhe shfaqjet e saj të para në skenën e këtij teatri u zhvilluan në rolin e Ksenia në "Boris Godunov" dhe vajzën - lule në "Parsifal" në 1970. Te Kanawa vazhdoi të përgatitej me kujdes për rolin e Konteshës, premiera e së cilës ishte planifikuar në Covet Garden në dhjetor 1971, por para kësaj pati një shfaqje në Festivalin e Operas Santa Fe (New Mexico, SHBA), ku ajo provoi këtë rol, së bashku me të Në të njëjtin festival, këngëtarja amerikane Frederica von Stade performoi; më vonë shtypi vuri në dukje performancën e tyre: "... ishin dy të ardhur që mahnitën audiencën... të gjithë e kuptuan menjëherë se këto ishin dy gjetje dhe histori. konfirmuan performancën e tyre.” Këto dy këngëtare janë bërë miq prej shumë vitesh. Më 1 dhjetor 1971 në Covent Garden, Kiri Te Kanawa përsëriti performancën e saj në Santa Fe dhe krijoi një sensacion ndërkombëtar. Në këtë ditë, ajo mori statusin e një ylli të padiskutueshëm të operës dhe u bë një nga sopranot më të famshme në botë, duke interpretuar në shtëpitë kryesore të operës në botë - Covent Garden, Opera Metropolitan (debutimi 1974), Opera e Parisit (1975), Sydney. Opera House (1978), Opera Shtetërore e Vjenës (1980), La Scala (1978), Opera Lirike e Çikagos, San Francisko, Bavareze dhe shumë të tjera. Heroinat e saj përfshijnë një repertor të madh për soprano, midis tyre - tre role kryesore të Richard Strauss - Arabella nga Arabella, Marshall, Princesha Maria Therese von Werdenberg nga Der Rosenkavalier dhe konteshë nga Capriccio; Fiordiligi i Mozartit nga "Kështu bëjnë të gjitha gratë", Donna Elvira nga "Don Giovanni", Pamina nga "Flauti Magjik" dhe sigurisht kontesha Almaviva nga "Martesa e Figaros"; Violetta e Verdit nga Triaviatta, Amelia Boccanegra nga Simon Boccanegra, Desdemona nga Ottelo; nga Puccini - Tosca, Mimi dhe Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Tchaikovsky, Rosalind Johann Strauss dhe shumë të tjerë. Në skenën e koncerteve, bukuria dhe qartësia e saj vokale u bashkua me orkestrat simfonike kryesore botërore nga Londra, Çikago, Los Anxhelosi nën dirigjentë të tillë si Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti e të tjerë. Ajo u bë pjesëmarrëse e rregullt në festivalet ndërkombëtare të operës - në Glidebourne, Salzburg, Verona. Gjatë karrierës së saj të gjatë krijuese, Kiri Te Kanawa ka lëshuar rreth tetëdhjetë disqe të repertorit operistik dhe muzikës koncertale - ariet e koncerteve të Mozartit, Katër këngët e fundit të Strauss, Requiem gjerman i Brahms, Mesia i Handel dhe të tjerë, si dhe albume me muzikë popullore dhe këngë maori. si haraç për popullin tënd. Disa nga disqet e saj janë vlerësuar me çmimin Grammy. Albumi i fundit, "Kiri Sings Karl", u publikua në 2006. Në karrierën e saj ka pasur dy ngjarje të rëndësishme, të cilat është thuajse e pamundur t'i përsërisë asnjë këngëtare operistike. Në vitin 1981, ajo performoi si soliste në dasmën e Princit Charles dhe Princeshës Diana në Katedralen e Shën Palit në Londër. Transmetimi i drejtpërdrejtë televiziv i ngjarjes tërhoqi mbi 600 milionë shikues. Rekordi i dytë - në vitin 1990 ajo dha një koncert të hapur në Auckland, 140 mijë spektatorë erdhën në performancën e saj solo. Tashmë aktivitetet e saj jashtë skenës janë të lidhura me fondacionin që ajo krijoi për mbështetje dhe ndihmë financiare për këngëtarët dhe muzikantët e rinj. Kiri Te Kanawa është shpërblyer me shumë çmime dhe çmime për shërbimet e saj në zhvillimin e artit, më të lartat prej të cilave janë Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion of the Order of Australia (1990) dhe Urdhri i Zelandës së Re (1995). Ajo gjithashtu mori diploma nderi nga Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham dhe universitete të tjera. Shfaqjet e Kiri Te Kanawa në skenën e operas dhe në skenën e koncerteve janë bërë të rralla vitet e fundit, por ajo ende nuk e ka shpallur tërheqjen nga skena, megjithëse performanca e saj e fundit mendohej të ishte në prill të vitit 2010, por ajo vazhdon të performojë.

Angela Gheorghiu (rumanisht: Angela Gheorghiu) është një këngëtare operistike rumune, soprano. Një nga këngëtarët më të njohur të operës së kohës sonë. Angela Gheorghiu (Burlacu) lindi më 7 shtator 1965 në qytetin e vogël Adjud, Rumani. ME femijeria e hershme ishte e qartë se ajo do të bëhej këngëtare, muzika ishte fati i saj. Ajo studioi në një shkollë muzikore në Bukuresht dhe u diplomua në Universitetin Kombëtar të Muzikës të Bukureshtit. Debutimi i saj profesional operistik u zhvillua në vitin 1990 si Mimi në La Bohème të Puccinit në Cluj dhe në të njëjtin vit ajo fitoi Konkursin Ndërkombëtar Vokal Hans Gabor Belvedere në Vjenë. Mbiemrin Georgiou e mbajti nga burri i saj i parë. Angela Georgiou bëri debutimin e saj ndërkombëtar në 1992 në Royal Opera House, Covent Garden, në La Bohème. Në të njëjtin vit ajo bëri debutimin e saj në Metropolitan Opera në Nju Jork dhe në Operën Shtetërore të Vjenës. Në vitin 1994, në Shtëpinë e Operës Mbretërore, Covent Garden, ajo interpretoi për herë të parë rolin e Violetta në La Traviata, në atë moment lindi një "yll", Angela Georgiou filloi të gëzonte sukses të vazhdueshëm në shtëpitë e operës dhe sallat e koncerteve përreth. bota: në Nju Jork, Londër, Paris, Salzburg, Berlin, Tokio, Romë, Seul, Venecia, Athinë, Monte Carlo, Çikago, Filadelfia, Sao Paulo, Los Angeles, Lisbonë, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Cyrih , Vjenë, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​Pragë, Montreal, Moskë, Taipei, San Juan, Ljubljana. Në vitin 1994 ajo u takua me tenorin Roberto Alagna, me të cilin u martua në vitin 1996. Ceremonia e martesës u zhvillua në skenën e Metropolitan Opera në Nju Jork. Çifti Alanya-Georgiou ka qenë prej kohësh bashkimi më i ndritshëm i familjes krijuese në skenën e operës, por tani ata janë divorcuar. Kontrata e saj e parë ekskluzive e regjistrimit u nënshkrua në vitin 1995 me Decca-n, pas së cilës ajo lëshoi ​​disa albume në vit dhe tani ka rreth 50 albume, si opera të inskenuara ashtu edhe koncerte solo. Ne morëm të gjitha CD-të e saj reagime të mira kritikëve dhe u shpërblyen me shumë çmime ndërkombëtare, duke përfshirë çmime nga revista Gramophone, çmimi gjerman Echo, Diapason d'Or francez dhe Choc du Monde de la Musique dhe shumë të tjera. Dy herë në 2001 dhe 2010, "Classical BRIT Awards" britanike e shpallën atë "Këngëtarja më e mirë e vitit". Gama e roleve të Angela Georgiut është shumë e gjerë, ajo i pëlqen veçanërisht operat e Verdit dhe Puçinit. Repertori italian, ndoshta për shkak të ngjashmërisë relative të gjuhës rumune dhe italiane, është i shkëlqyeshëm për të; disa kritikë vërejnë se opera franceze, gjermane, ruse dhe angleze interpretohet më e dobët. Rolet më të rëndësishme të Angela Georgiou: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Micaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucreziretti Dashuria" - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo dhe Zhulieta" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Juan" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Maria Boccanegra" - Angela Gheorghiu vazhdon të performojë në mënyrë aktive dhe ndodhet në krye të operas Olympus. Angazhimet e ardhshme përfshijnë koncerte të ndryshme në Evropë, Amerikë dhe Azi, Tosca dhe Faust në Royal Opera House, Covent Garden.

Natalie Dessay (lindur Nathalie Dessaix) është një këngëtare franceze e operës, soprano e ngjyrave. Një nga këngëtaret kryesore të kohës sonë, në fillimet e karrierës së saj ishte e njohur për zërin e saj shumë të lartë dhe transparent, tani ajo këndon në një gamë më të ulët. Ajo është e dashur nga shikuesit për aftësitë e saj të shkëlqyera dramatike dhe sensin e gjallë të humorit. Nathalie Dessay lindi më 19 prill 1965 në Lyon dhe u rrit në Bordo. Ndërsa ishte ende në shkollë, ajo hoqi "h" nga emri i saj, për nder të aktores Natalie Wood, dhe më vonë thjeshtoi drejtshkrimin e mbiemrit të saj. Në rininë e saj, Dessay ëndërronte të bëhej balerinë ose aktore dhe mori mësime aktrimi, por një ditë, ndërsa luante me kolegët e saj në një shfaqje pak të njohur të shekullit të 18-të, asaj iu desh të këndonte, ajo interpretoi arinë e Paminës nga Flauti Magjik. të gjithë u mahnitën, ajo u këshillua të kalonte vëmendjen e saj në muzikë. Nathalie hyri në Konservatorin Shtetëror në Bordo, përfundoi një kurs pesëvjeçar në vetëm një vit dhe u diplomua me nderime në vitin 1985. Pas konservatorit ajo punoi me Orkestrën Kombëtare të Kapitolit të Tuluzës. Në vitin 1989, ajo zuri vendin e dytë në konkursin New Voices të mbajtur nga France Telecom, i cili e lejoi të studionte për një vit në Shkollën e Arteve Lirike të Operës së Parisit dhe atje të interpretonte si Eliza në The Shepherd King të Mozartit. Në pranverën e vitit 1992, ajo këndoi rolin e shkurtër të Olympia nga Offenbach "Tregimet e Hoffmann" në Opera Bastille, partneri i saj ishte Jose van Dam, prodhimi zhgënjeu kritikët dhe audiencën, por këngëtarja e re mori një ovacion dhe u vu re. . Ky rol do të bëhej ikonik për të; deri në vitin 2001, ajo do të luante Olympia-n në tetë prodhime të ndryshme, duke përfshirë debutimin e saj në La Scala. Në vitin 1993, Nathalie Dessay fitoi Konkursin Ndërkombëtar të Mozartit të mbajtur nga Opera e Vjenës dhe mbeti për të studiuar dhe interpretuar në Operën e Vjenës. Këtu ajo këndoi rolin e Bjondes nga "Rrëmbimi nga Seraglio" i Mozartit, i cili u bë një tjetër nga rolet e saj më të njohura dhe më të interpretuara. Në dhjetor 1993, Nathalie iu ofrua të zëvendësonte Cheryl Studer në rolin tashmë të famshëm të Olympia në Operën e Vjenës. Performanca e saj mori njohje nga publiku në Vjenë dhe vlerësime nga Placido Domingo, dhe në të njëjtin vit ajo interpretoi këtë rol në Operën e Lionit. Karriera ndërkombëtare e Nathalie Dessay filloi me shfaqjet në Operën e Vjenës. Në vitet 1990, njohja e saj po rritej vazhdimisht dhe repertori i saj i roleve po zgjerohej vazhdimisht, u morën shumë oferta, ajo interpretoi në të gjitha teatrat kryesore të operës në botë - Opera Metropolitan, La Scala, Opera bavareze, Covent Garden, Opera e Vjenës dhe të tjerët. Tipari dallues i aktores Dessay është se ajo beson se një këngëtare opere duhet të përbëhet nga 70% teatër dhe 30% muzikë dhe të përpiqet jo vetëm t'i këndojë rolet e saj, por edhe t'i luajë ato në mënyrë dramatike, kështu që secili personazh i saj është një zbulim i ri. , kurrë si të tjerët. Në sezonin 2001/2002, Dessay filloi të përjetonte vështirësi vokale dhe iu desh të anulonte shfaqjet dhe koncertet e saj solo. Ajo u largua nga skena dhe në korrik 2002 iu nënshtrua një operacioni për heqjen e polipeve në kordat e saj vokale; në shkurt 2003 ajo u kthye me një koncert solo në Paris dhe vazhdoi në mënyrë aktive karrierën e saj. Në sezonin 2004/2005, Nathalie Dessay duhej t'i nënshtrohej një operacioni të dytë. Një paraqitje e re publike u zhvillua në maj 2005 në Montreal. Rikthimi i Nathalie Dessay u shoqërua me një riorientim në repertorin e saj lirik. Ajo refuzon rolet "të lehta" pa thellësi (si Gilda në Rigoletto) ose rolet që nuk dëshiron të luajë më (Mbretëresha e Natës ose Olimpia) në favor të personazheve më "tragjikë". Në fillim ky pozicion solli mosmarrëveshje të rënda me disa drejtorë dhe kolegë. Sot Nathalie Dessay është në kulmin e karrierës së saj dhe është një soprano kryesore e kohës sonë. Jeton dhe performon kryesisht në SHBA, por vazhdimisht bën turne në Evropë. Fansat rusë mund ta shihnin atë në Shën Petersburg në 2010 dhe në Moskë në 2011. Në fillim të vitit 2011, ajo këndoi (për herë të parë) rolin e Kleopatrës në Julius Caesar të Handel në Opera Garnier, duke u rikthyer në Opera Metropolitan me tradicionalja e saj " Lucia di Lammermoor", më pas u kthye përsëri në Evropë me një version koncert të "Pelléas et Mélisande" në Paris dhe Londër dhe një koncert në Moskë. Këngëtarja ka shumë projekte në të ardhmen e afërt: “La Traviata” në Vjenë në 2011 dhe në Metropolitan Opera në 2012, Kleopatra në “Julius Caesar” në Metropolitan Opera në 2013, “Manon” në Operën e Parisit dhe La Scala në 2012, Marie ("Vajza e Regjimentit") në Paris në 2013, dhe Elvira në Metropolitan në 2014. Nathalie Dessay është e martuar me bas-baritonin Laurent Naouri dhe kanë dy fëmijë. Rrallëherë mund t'i shohësh bashkë në skenën e operës, ndryshe çift ​​yjor Alanya-Georgiou, fakti është se ka shumë më pak repertor për një bariton-soprano sesa për një tenor-soprano. Për hir të burrit të saj, Dessay pranoi fenë e tij - Judaizmin.

Irina Konstantinovna Arkhipova - Këngëtarja e operës sovjetike dhe ruse, mezzo-soprano, soliste e Teatrit Bolshoi (1956-1988), Artiste e Popullit e BRSS (1966), mbajtëse e Urdhrit të Leninit (1971, 1976, 1985), laureate Çmimin Lenin (1978), Hero i Punës Socialiste (1984), laureat i Çmimit Shtetëror të Rusisë (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova lindi më 2 janar 1925 në Moskë. Në moshën tetë vjeçare ajo hyri në Shkollën Qendrore të Muzikës në Konservatorin e Moskës, por për shkak të një sëmundjeje të papritur ajo nuk ishte në gjendje të studionte atje. Më vonë, Irina hyri në shkollën Gnessin. Gjatë Luftës së Madhe Patriotike, ajo dhe familja e saj u evakuuan në Tashkent, ku hyri në Institutin Arkitekturor të Moskës, i cili gjithashtu u evakuua atje. Pas diplomimit, puna për projektimin dhe ndërtimin e një numri objektesh në kryeqytet, duke përfshirë një kompleks të ri të ndërtesave të Universitetit Shtetëror të Moskës në Vorobyovy Gory, paralelisht me klasat e vokalit me N.M. Malysheva, dhe më vonë studioi në Konservatorin e Moskës në klasën e këndimit të L.F. Savransky. Në vitin 1953 ajo u diplomua në konservator. Në 1954-1956, solist i Teatrit të Operës dhe Baletit Sverdlovsk. Në 1956-1988 - solist i Teatrit Bolshoi. Performanca e saj si Carmen në operën me të njëjtin emër të Georges Bizet mori njohje mbarëbotërore. Ajo karakterizohej nga një zbulim i thellë i brendshëm i imazhit dhe mendimit të interpretimit. Ajo kishte dhuntinë e transformimit skenik. Që nga viti 1955, ai bën turne jashtë vendit (Austri, Poloni, Gjermaninë Lindore, Finlandë, Itali, Hungari, Rumani, Çekosllovaki, Bullgari, SHBA, Japoni, Francë, Kanada). Në 1967 dhe 1971 ajo këndoi në La Scala (roli i Marfa dhe roli i Marina Mniszech). Që nga viti 1975 jep mësim në Konservatorin e Moskës, ndërsa nga viti 1984 është profesor. Në vitet 1980 ajo performoi një seri koncertesh "Antologjia e Romancës Ruse". Në vitin 1966 ajo u ftua të shërbente në jurinë e Konkursit P.I. Tchaikovsky, dhe që nga viti 1967 ajo është kryetare e përhershme e jurisë së Konkursit M.I. Glinka. Që nga ajo kohë, ajo ka qenë anëtare e jurisë së shumë konkurseve prestigjioze në botë, duke përfshirë konkursin “Verdi Voice” dhe atë Mario del Monaco në Itali, konkursin e Mbretëreshës Elizabeth në Belgjikë, konkursin Maria Callas në Greqi, Konkursi Francisco Viñas në Spanjë, konkursi vokal në Paris, konkursi vokal në Mynih. Që nga viti 1974 (me përjashtim të 1994) ajo ka qenë kryetare e përhershme e jurisë së Konkursit Tchaikovsky në seksionin "Solo Song". Në vitin 1997, me ftesë të Presidentit të Azerbajxhanit Heydar Aliyev dhe Ministres së Kulturës së Azerbajxhanit Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova kryesoi jurinë e Konkursit Bul-Bul, organizuar për 100 vjetorin e lindjes së tij. Që nga viti 1986, I.K. Arkhipova ka qenë kryetar i Shoqërisë Muzikore Gjithë Bashkimi, e cila në fund të vitit 1990 u shndërrua në Unionin Ndërkombëtar të Punëtorëve të Muzikës. Që nga viti 1983 - Kryetar i Fondacionit Irina Arkhipova. Doktor Nderi i Akademisë Kombëtare të Muzikës me emrin Muzichescu i Republikës së Moldavisë (1998), President i Shoqatës së Miqësisë Rusi-Uzbekistan. Ajo ishte deputete e Sovjetit Suprem të BRSS të mbledhjes së 6-të. Deputet i Popullit i BRSS (1989-1991). Autor i librave: “My Muses” (1992), “Music of Life” (1997), “A Brand Called “I” (2005). Burri i këngëtares - Artist kombëtar BRSS Vladislav Piavko. Djali - Andrey. Stërmbesa - Irina. Më 19 janar 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova u shtrua në spital me sëmundje të zemrës në qytet. spitali klinik me emrin Botkin. Më 11 shkurt 2010, këngëtarja vdiq. Ajo u varros më 13 shkurt 2010 në varrezat Novodevichy në Moskë.

Maria Nikolaevna Kuznetsova është një këngëtare ruse e operës (soprano) dhe kërcimtare, një nga këngëtaret më të famshme të Rusisë para-revolucionare. Solisti kryesor i Teatrit Mariinsky, pjesëmarrës në stinët ruse të Sergei Diaghilev. Ajo punoi me N.A. Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet dhe këndoi me Fyodor Chaliapin dhe Leonid Sobinov. Pasi u largua nga Rusia pas vitit 1917, ajo vazhdoi të performojë me sukses jashtë vendit. Maria Nikolaevna Kuznetsova lindi në 1880 në Odessa. Maria u rrit në një atmosferë krijuese dhe intelektuale, babai i saj Nikolai Kuznetsov ishte një artist, dhe nëna e saj vinte nga familja Mechnikov, xhaxhallarët e Maria ishin laureat i Nobelit biologu Ilya Mechnikov dhe sociologu Lev Mechnikov. Pyotr Ilyich Tchaikovsky vizitoi shtëpinë e Kuznetsovs, i cili tërhoqi vëmendjen për talentin e këngëtares së ardhshme dhe kompozoi këngë për fëmijë për të. Që nga fëmijëria, Maria ëndërronte të bëhej aktore. Prindërit e dërguan në një gjimnaz në Zvicër, duke u kthyer në Rusi, ajo studioi baletin në Shën Petersburg, por braktisi kërcimin dhe filloi të studionte vokalin me mësuesin italian Marty, dhe më vonë me baritonin dhe partnerin e saj të skenës I.V.Tartakov. Të gjithë vunë re soprano e saj të pastër, të bukur lirike, talentin e dukshëm si aktore dhe bukurinë femërore. Igor Fedorovich Stravinsky e përshkroi atë si "...një soprano dramatike që mund të shihej dhe dëgjohej me të njëjtin oreks". Në 1904, Maria Kuznetsova bëri debutimin e saj në skenën e Konservatorit të Shën Petersburgut në rolin e Tatianës në "Eugene Onegin" të P.I. Tchaikovsky, në skenën e Teatrit Mariinsky - në 1905 në rolin e Margaritës në "Faust" të Charles Gounod. ". Me një pushim të shkurtër, Kuznetsova mbeti soliste e Teatrit Mariinsky deri në revolucionin e vitit 1917. Në vitin 1905, në Shën Petersburg u publikuan dy pllaka gramafoni me regjistrime të performancave të saj dhe në total ajo bëri 36 regjistrime gjatë karrierës së saj krijuese. Një ditë, në 1905, menjëherë pas debutimit të Kuznetsova në Mariinsky, gjatë shfaqjes së saj në teatër, shpërtheu një grindje midis studentëve dhe oficerëve, situata në vend ishte revolucionare dhe filloi paniku në teatër. Maria Kuznetsova ndërpreu arinë e Elsës nga "Lohengrin" e R. Wagner dhe këndoi me qetësi himnin rus "God Save the Tsar", ngatërrestarët u detyruan të ndalonin sherrin dhe publiku u qetësua, shfaqja vazhdoi. Burri i parë i Maria Kuznetsova ishte Albert Albertovich Benois, nga dinastia e famshme Benois e arkitektëve, artistëve dhe historianëve rusë. Në kulmin e karrierës së saj, Maria njihej me mbiemrin e dyfishtë Kuznetsova-Benoit. Në martesën e saj të dytë, Maria Kuznetsova ishte e martuar me prodhuesin Bogdanov, në të tretën - me bankierin dhe industrialistin Alfred Massenet, nipin e kompozitorit të famshëm Jules Massenet. Gjatë gjithë karrierës së saj, Kuznetsova-Benois mori pjesë në shumë premiera evropiane të operës, duke përfshirë rolet e Fevronia në "Përralla e qytetit të padukshëm të Kitezh dhe Fevronia e vajzërisë" nga N. Rimsky-Korsakov dhe Kleopatra nga opera me të njëjtin emër nga J. Massenet, të cilën kompozitori e shkroi posaçërisht për të. Dhe gjithashtu në skenën ruse ajo prezantoi për herë të parë rolet e Vogdolinës në "Das Rheingold" të R. Wagner, Cio-Cio-san në "Madama Butterfly" të G. Puccinit e shumë të tjerë. Ajo bëri turne me Kompaninë e Teatrit Mariinsky në qytete në Rusi, Francë, Britani të Madhe, Gjermani, Itali, SHBA dhe vende të tjera. Ndër rolet e saj më të mira: Antonida ("Jeta për Carin" nga M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan dhe Lyudmila" nga M. Glinka), Olga ("Rusalka" nga A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" nga E. Napravnik), Oksana ("Cherevichki" nga P. Tchaikovsky), Tatyana ("Eugene Onegin" nga P. Tchaikovsky), Kupava ("Vajza e borës" nga N. Rimsky-Korsakov), Zhuljeta ("Romeo dhe Zhuljeta" nga C. Gounod), Carmen ("Carmen" nga J. .Bizet), Manon Lescaut ("Manon" nga J. Massenet), Violetta ("La Traviata" nga G. Verdi), Elsa ("Lohengrin" nga R. Wagner. ), etj. Në 1914, Kuznetsova u largua përkohësisht nga Teatri Mariinsky dhe, së bashku me "baletin rus" të Sergei Diaghilev performoi në Paris dhe Londër si balerinë, dhe gjithashtu sponsorizoi pjesërisht shfaqjen e tyre. Ajo kërceu në baletin "Legjenda e Jozefit" nga Richard Strauss, baleti u përgatit nga yjet e kohës së tij - kompozitori dhe dirigjenti Richard Strauss, regjisori Sergei Diaghilev, koreografi Mikhail Fokin, kostumet dhe peizazhet Lev Bakst, balerini kryesor Leonid Massine. . Ishte një rol i rëndësishëm dhe një kompani e mirë, por që në fillim produksioni u përball me disa vështirësi: kishte pak kohë për prova, Strauss ishte në humor të keq, pasi balerinat e ftuara Ida Rubinstein dhe Lidia Sokolova refuzuan të merrnin pjesë, dhe Strauss gjithashtu. nuk i pëlqente të punonte me muzikantët francezë dhe vazhdimisht grindej me orkestrën, dhe Diaghilev ishte ende i shqetësuar për largimin e balerinit Vaslav Nijinsky nga trupa. Pavarësisht problemeve në prapaskenë, baleti debutoi me sukses në Londër dhe Paris. Përveç testimit të dorës së saj në balet, Kuznetsova bëri disa shfaqje operash, duke përfshirë prodhimin e Borodin të Princit Igor në Londër. Pas revolucionit në 1918, Maria Kuznetsova u largua nga Rusia, siç i ka hije një aktoreje, ajo e bëri atë në mënyrë dramatike bukur - në rrobat e një djali kabine në të cilin u fsheh. kuvertë e poshtme anije që shkon për në Suedi. Ajo u bë këngëtare opere në Operën e Stokholmit, më pas në Kopenhagë dhe më pas në Shtëpinë e Operas Mbretërore, Covent Garden, Londër. Gjatë gjithë kësaj kohe ajo vinte vazhdimisht në Paris, dhe në vitin 1921 më në fund u vendos në Paris, i cili u bë shtëpia e saj e dytë krijuese. Në vitet 1920, Kuznetsova organizoi koncerte private, ku këndoi këngë, romanca dhe opera ruse, franceze, spanjolle dhe cigane. Në këto koncerte ajo kërcente shpesh valle popullore spanjolle dhe flamenko. Disa nga koncertet e saj ishin bamirëse për të ndihmuar emigracionin rus në nevojë. Ajo u bë një yll i operës pariziane; pritja në sallonin e saj konsiderohej një nder i madh. “Ngjyra e shoqërisë”, ministra dhe industrialistë u grumbulluan në korridorin e saj. Përveç koncerteve private, ajo ka punuar shpesh si soliste në shumë shtëpi operash në Evropë, duke përfshirë Covent Garden dhe Operan e Parisit dhe Opéra Comique. Në vitin 1927, Maria Kuznetsova me princin Alexei Tsereteli dhe baritonin Mikhail Karakash organizuan kompaninë private "Russian Opera" në Paris, ku ftuan shumë këngëtarë të operës ruse që ishin larguar nga Rusia. "Opera Ruse" vuri në skenë "Sadko", "Përralla e Car Saltan", "Përralla e qytetit të padukshëm të Kitezh dhe Fevronia e vajzës", "Panairi Sorochinskaya" dhe opera dhe baletë të tjera të kompozitorëve rusë dhe u interpretuan në Londër, Paris. , Barcelona, ​​Madrid, Milano dhe në Buenos Airesin e largët. "Opera Ruse" ekzistonte deri në vitin 1933, pas së cilës Maria Kuznetsova filloi të jepte më pak shfaqje. Maria Kuznetsova vdiq më 25 prill 1966 në Paris, Francë.

Annette Dasch është një këngëtare gjermane e operës, soprano. Një nga këngëtarët më të njohur të operës bashkëkohore gjermane. Annette Dasch ka lindur më 24 mars 1976 në Berlin. Prindërit e Anetës, babai i saj gjyqtar dhe nëna studente e mjekësisë, e donin muzikën dhe e rrënjosën këtë dashuri tek katër fëmijët e tyre. Në shtëpi, tradicionalisht, të gjithë anëtarët e familjes luanin muzikë dhe këndonin së bashku; ndërsa u rritën, të gjithë fëmijët u bënë muzikantë profesionistë: vajza e madhe ishte pianiste koncerti, vëllezërit më të vegjël, njëri ishte këngëtar, bas-bariton, anëtar. i kuintetit klasik të popit "Adoro", tjetri ishte mësues muzike. Që nga fëmijëria, Annette performoi në një ansambël vokal shkollor dhe ëndërroi të bëhej një këngëtare rock. Ajo ishte gjithashtu një skaut aktiv dhe ende i pëlqen ecja dhe udhëtimi me shpine. Në vitin 1996, Annette u transferua në Mynih për të studiuar akademikisht vokal në Universitetin e Muzikës dhe Teatrit të Mynihut. Në vitin 1998/99 ajo gjithashtu mori një kurs për muzikë dhe dramë në Universitetin e Muzikës dhe Teatrit në Graz (Austri). Suksesi ndërkombëtar erdhi në vitin 2000, kur ajo fitoi tre konkurse të mëdha ndërkombëtare vokale - konkursin Maria Callas në Barcelonë, Konkursin e Këngës Schumann në Zwickau dhe Konkursin e Gjenevës. Që atëherë, ajo ka interpretuar në skenat më të mira të operës në Gjermani dhe në botë - në Operat Shtetërore të Bavarisë, Berlinit, Dresdenit, në Operën e Parisit dhe në Teatrin Champs-Elysees, në La Scala, Covent Garden, Operën e Tokios, Opera Metropolitane dhe shumë të tjera. Në 2006, 2007, 2008 ajo performoi në Festivalin e Salzburgut, në 2010, 2011 në Festivalin Wagner në Bajoroth. Gama e roleve të Annette Dasch është mjaft e gjerë, duke përfshirë rolet e Armidës ("Armide", Haydn), Gretel ("Hansel dhe Gretel", Humperdinck), Goose Girl ("The King's Children", Humperdinck), Fiordiligi ("That's What Të gjithë bëjnë", Mozart), Elvira (Don Giovanni, Mozart), Electra (Idomeneo, Mozart), Konteshë (Martesa e Figaros, Mozart), Pamina (Flauti Magjik, Mozart), Antonia (Përrallat e Hoffmann, Offenbach) , Liu ("Turandot", Puccini), Rosalind ("Die Fledermaus", Strauss), Freya ("Das Rheingold", Wagner), Elsa ("Lohengrin", Wagner) dhe të tjerë. Annette Dasch nuk është vetëm një këngëtare opere, Ajo gjithashtu performon oratorie dhe jep koncerte. Repertori i saj përfshin këngë nga Beethoven, Britten, Haydn, Gluck, Handel, Schumann, Mahler, Mendelssohn dhe të tjerë. Këngëtarja mbajti koncertet e saj të fundit në të gjitha qytetet kryesore evropiane (për shembull, Berlin, Barcelona, ​​Vjenë, Paris, Londër, Parma, Firence, Amsterdam, Bruksel), performoi në festivalet Schubertiad në Schwarzenberg, festivale të muzikës së hershme në Innsbruck dhe Nantes, si dhe festivale të tjera prestigjioze. Që nga viti 2008, Annette Dasch ka mbajtur shfaqjen e saj shumë të njohur muzikore argëtuese televizive "Dash Salon", emri i të cilit në gjermanisht është në përputhje me fjalën "lavanderi" (Waschsalon). Annette Dasch hapi sezonin 2011/2012 me një turne evropian me koncerte solo; angazhimet e ardhshme operistike përfshijnë rolin e Elvirës nga Don Giovanni në pranverën e vitit 2012 në Metropolitan Opera, më pas rolin e Madame Pompadour në Vjenë dhe një turne me Opera e Vjenës në Japoni me një rol në The Merry Widow”, gjithashtu një shfaqje tjetër në Festivalin Bayorot.

Renata Tebaldi është një këngëtare italiane e operës, soprano lirike. Një nga këngëtaret më të dashura dhe më të pëlqyera të pasluftës. Ajo i interpretoi të gjitha rolet e saj ekskluzivisht në italisht. Shpesh dashamirët e operës e krahasojnë atë me konkurrentin e saj dhe të kundërtën - Maria Callas. Renata Ersila Clotilde Tebaldi lindi më 1 shkurt 1922 në Pesaro të Italisë nga violonçelisti Teobaldo Tebaldi dhe Giuseppina Barbieri. Menjëherë pas lindjes së vajzës së tyre, prindërit u divorcuan dhe Renata dhe nëna e saj u transferuan në vendlindjen e saj Langirano në provincën e Parmës. Giusepina Barbieri, nëna e Renatës, ishte një këngëtare e talentuar me zë të bukur dhe ëndërronte për një karrierë këngëtare, por ëndrrat e saj nuk u realizuan dhe më në fund u bë infermiere. I moshuar tre vjet Renata u sëmur rëndë nga poliomieliti; trajtimi zgjati pesë vjet; duke pasur parasysh nivelin e aftësive mjekësore, ishte pothuajse një mrekulli. Në moshën tetë vjeç, nëna e Renatës e inkurajoi atë të studionte muzikë, më pas ajo këndoi në një kor kishe dhe në moshën trembëdhjetë vjeç hyri në Konservatorin e Parmës për të studiuar piano. Renata punonte me zell të pakufi, duke luajtur muzikë pesë orë në ditë dhe, si e gjithë familja e saj, ëndërronte të bëhej pianiste. Megjithatë, me kalimin e kohës, ajo e kuptoi se po anohej më shumë drejt vokalit. Ajo këndoi gjithçka që dëgjonte, burimi kryesor i frymëzimit ishte radioja. Ajo filloi të merrte mësime vokale dhe Renata Tebaldi studioi me maestro Ettore Campogalliani për tre vjet. Një ditë, gjatë festave të Krishtlindjeve, ajo po vizitonte xhaxhain e saj Valentino, vëllain e të atit, në Pesaro. Ai ishte pronar i një kafeneje të vogël ku diva e famshme e operës Carmen Melis, e cila në atë kohë u largua nga skena dhe ishte mësuese në Konservatorin Gioachino Rossini në Pesaro, blente pasta. Valentino i tregoi Melisit për mbesën e tij dhe diva pranoi të bënte audicion për këngëtaren e re. Të nesërmen dhe gjatë pushimeve, Tebaldi studioi me Melisin dhe kur ajo u kthye në Parma, përmirësimi ishte aq dramatik sa askush nuk e besonte se ishte i njëjti zë. Pas kësaj, Renata Tebaldi vendosi të transferohej në Pesaro, ku filloi të jetonte me familjen e babait të saj dhe hyri në konservator. Carmen Melis u bë mësuesja kryesore e Tebaldit, duke e mësuar atë në konservator dhe privatisht. Melis organizoi një bursë për të dhe organizoi shfaqjen e saj të parë në koncertin publik. Renata Tebaldi debutoi në skenën e operës në vitin 1944, në rolin e Elenës në operën “Mephistopheles” të Arrigo Boitos, në qytetin e Rovigos, e ndjekur nga disa shfaqje në Parma dhe Trieste. Në Parma, Tebaldi interpretoi rolin e Mimi në La bohème nga Giacomo Puccini, të cilin më pas e interpretoi dhjetëra herë gjatë disa dekadave. Kishte një të dytë Lufte boterore dhe jeta operistike ishte në rënie, shumë teatro u mbyllën dhe pati pak shfaqje. Pushimi i saj i madh erdhi në vitin 1946, kur ajo bëri audicionin për Arturo Toscanini, i cili po rekrutonte interpretues për koncertin e tij. Tebaldi i bëri përshtypje të favorshme maestros dhe ai e quajti atë "një zë engjëllor". Në të njëjtin vit, ajo bëri debutimin e saj në La Scala në një koncert që shënoi hapjen e teatrit pas luftës. Toscanini i dha Tebaldit një vend të përhershëm në një nga teatrot më të mira të operës në botë. Në La Scala asaj iu dhanë rolet operistike të Margarita dhe Helena në Mephistopheles dhe Elsa në Lohengrin në 1946. Një vit më pas ajo u shfaq në La Bohème dhe si Eva në Die Meistersinger të Nurembergut të Wagner. Së shpejti Toscanini e ftoi atë në rolin e Aidës dhe Tebaldi bëri debutimin e saj në këtë rol në La Scala në 1950, çiftëzohet me Mario Del Monaco, bashkimi krijues i Renata Tebaldit dhe Mario del Monaco në skenë dhe në studio regjistrimi do të jetë i gjatë dhe i frytshëm. . Në të njëjtin vit filloi karriera ndërkombëtare e Tebaldit, me trupën e La Scala-s, ajo interpretoi në Festivalin e Edinburgut, më pas në Londër, në Covent Garden në operën Otello dhe Requiem të Verdit, në SHBA në Operën e San Franciskos në rolin e Aidës. . Më pas ishin të gjitha teatrot më të mëdhenj në botë. Para se Tebaldi të kishte kohë të bëhej këngëtari kryesor i La Scala, një yll i ri u shfaq në skenën e teatrit - Maria Callas, e cila zuri vendin e saj. Kur La Scala preferonte Callas, Tebaldi ishte e ftuar në shumë teatro të tjerë, veçanërisht në Teatrin San Carlo në Napoli, ku ajo ishte shumë e dashur dhe e vlerësuar mbi Callas. Në mesin e viteve 1950, Tebaldi u largua nga La Scala për t'u bërë prima donna e Operës Metropolitan, duke bërë debutimin e saj në 1955 si Desdemona. Kur ajo u kthye në La Scala në turne në vitin 1958, publiku i dha asaj një ovacion dyzet minutash. Rivaliteti mes Tebaldit dhe Callas u ushqye më shumë nga publiku dhe shtypi sesa nga vetë këngëtarët, megjithëse ata e dinin mirë frytshmërinë e këtij hypi për karrierën e tyre. Më 16 shtator 1968, rivaliteti i gjatë mes Tebaldit dhe Callas mori fund, kur Maria në prapaskenë uroi Renatën për performancën e saj të mirë në operën e Francesco Cilea-s Adriana Lecouvreur, dy sopranot u përqafuan dhe nuk u takuan më, por folën fjalë të mira për njëri-tjetrin. . Më 4 mars 1960, Tebaldi u shfaq në një shfaqje të paharrueshme të operës së Verdit La forza del destino. Kjo shfaqje mbeti në historinë e operës, sepse në mesin e aktit të dytë, partneri i saj, baritoni i famshëm Leonard Warren, ra në dysheme dhe vdiq në skenë nga një goditje para publikut. Në fillim të viteve 1960, zëri i Tebaldit filloi të shfaqte shenja lodhjeje dhe humbi plasticitetin e tij; ajo nuk u shfaq në skenë për më shumë se një vit; pasi pushoi, ajo u kthye në 1964. Që nga ky moment filloi një lloj karriere e dytë e Renata Tebaldit, e fokusuar më shumë në repertorin dramatik. Për gati njëzet vjet, Tebaldi performoi rregullisht në Metropolitan Opera, duke marrë pjesë në më shumë se 270 prodhime, në opera të tilla si La bohème, Madama Butterfly, Tosca, Manon Lescaut, Othello, Simon Boccanegra, "Falstaff" dhe shumë të tjera, dhe e përfundoi atë. punoi në të më 8 janar 1973 me të njëjtin rol me të cilin bëri debutimin e saj. Në vitin 1976 ajo dha koncertin e saj të lamtumirës në La Scala. Në kohën kur u largua nga skena, trashëgimia krijuese e Tebaldit arriti në 1262 shfaqje - 1048 opera të plota në 48 role dhe 214 koncerte, si dhe 134 regjistrime audio dhe video me pjesëmarrjen e saj. Renata Tebaldi vdiq më 1 shkurt 2004 në shtëpinë e saj në San Marino.

Inva Mula është një këngëtare shqiptare e operës, soprano. Ajo zë një vend të rëndësishëm në botën e operës, megjithatë, jashtë skenës së operës ajo njihet më së shumti për interpretimin e një arie në filmin "Elementi i pestë". Inva Mula ka lindur më 27 qershor 1963 në Tiranë, Shqipëri, babai i saj Avni Mula është një këngëtar dhe kompozitor i njohur shqiptar, emri i vajzës - Inva është leximi i kundërt i emrit të babait të saj. Ajo studioi vokal dhe piano në qytetin e saj, fillimisht në një shkollë muzikore, pastaj në konservator nën drejtimin e nënës së saj, Nina Mula. Në vitin 1987, Inva fitoi konkursin "Këngëtarja e Shqipërisë" në Tiranë dhe në 1988 - Konkursin Ndërkombëtar George Enescu në Bukuresht. Ajo debutoi në skenën e operës në vitin 1990 në Teatrin e Operës dhe Baletit në Tiranë me rolin e Leilës në “Peshkatarët e perlave” të J. Bizet. Së shpejti, Inva Mula u largua nga Shqipëria dhe u punësua si këngëtare në korin e Operës Kombëtare të Parisit (Opera Bastille dhe Opera Garnier). Në vitin 1992, Inva Mula mori çmimin e parë në konkursin Butterfly në Barcelonë. Suksesi kryesor, pas të cilit ajo u bë e famshme, ishte çmimi në konkursin e parë Placido Domingo Operalia në Paris në 1993. Koncerti final gala i këtij konkursi u mbajt në Opera Garnier, u publikua një disk dhe tenori Placido Domingo me fituesit e konkursit, përfshirë Inva Mula, përsëriti këtë program në Opera Bastille, si dhe në Bruksel, Mynih dhe Oslo. . Ky turne tërhoqi vëmendjen tek ajo dhe këngëtarja filloi të ftohej për të performuar në shtëpi të ndryshme operash në mbarë botën. Gama e roleve të Inva Mulës është mjaft e gjerë, ajo këndon Gilda të Verdit në Rigoletto, Nanette në Falstaff dhe Violetta në La Traviata. Rolet e tjera të saj janë Micaela në Carmen, Antonia në The Tales of Hoffmann, Musetta dhe Mimi në La Bohème, Rosina në The Berber of Seville, Nedda në Pagliacci, Magda dhe Lisette në The Swallow e shumë të tjerë. Karriera e Inva Mulës vazhdon me sukses, ajo performon rregullisht në teatrot e operës evropiane dhe botërore, duke përfshirë La Scala në Milano, Opera Shtetërore e Vjenës, Arena di Verona, Opera Lyric e Çikagos, Opera Metropolitan, Opera e Los Anxhelosit, si dhe teatro në Tokio, Barcelonë. , Toronto, Bilbao dhe të tjerë. Inva Mula zgjodhi Parisin si shtëpinë e saj dhe tashmë konsiderohet më shumë si këngëtare franceze sesa shqiptare. Ajo performon vazhdimisht në teatrot franceze në Toulouse, Marseille, Lyon dhe, natyrisht, në Paris. Në 2009/10 Inva Moula hapi sezonin e Operës së Parisit në Opera Bastille, duke luajtur në operën Mireille të interpretuar rrallë të Charles Gounod. Inva Mula ka publikuar disa albume, si dhe regjistrime televizive dhe video të performancave të saj, të publikuara në DVD, duke përfshirë operat La bohème, Falstaff dhe Rigoletto. Një regjistrim i operës "Swallow" me dirigjentin Antonio Pappano dhe Orkestrën Simfonike të Londrës në 1997 fitoi çmimin Grammaphone për " Hyrja më e mirë“Deri në mesin e viteve 1990, Inva Mula ishte e martuar me këngëtarin dhe kompozitorin shqiptar Pirro Çako dhe në fillim të karrierës përdorte ose mbiemrin e burrit ose mbiemrin e dyfishtë Mula-Tchako; pas divorcit filloi të përdorte vetëm atë. emri i parë - Inva Mula. Inva Mula, për Jashtë skenës së operës, ajo bëri emër duke shprehur rolin e Diva Plavalaguna (një aliene e gjatë, me lëkurë blu me tetë tentakula) në filmin fantastiko-shkencor të Jean-Luc Besson " Elementi i Pestë" me protagonistë Bruce Williss dhe Milla Jovovich. Këngëtarja interpretoi arinë "O Fair Heaven!.." Sweet sound" (Oh, giusto cielo!.. Il dolce suono) nga opera "Lucia di Lammermoor" nga Gaetano Donizetti dhe kënga "Dance of the Diva", në të cilën, me shumë gjasa, zëri iu nënshtrua përpunimit elektronik për të arritur një lartësi të pamundur për njerëzit, megjithëse krijuesit e filmit pretendojnë të kundërtën. Regjisori Luc Besson donte që zëri i këngëtares së tij të preferuar Maria Callas të të dëgjohet në film, por cilësia e regjistrimeve të disponueshme nuk ishte mjaft e mirë për t'u përdorur në kolonën zanore të filmit dhe Inva Mula u ftua të bënte dublimin.

Maria Callas (anglisht Maria Callas; emri në certifikatën e lindjes - Sophia Cecelia Kalos, anglisht Sophia Cecelia Kalos, e pagëzuar si Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - greqisht Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 dhjetor (4), 1923, Nju Jork - shtator 16, 1977, Paris) - Këngëtarja amerikane e operës (soprano). Maria Callas qëndron mes reformatorëve të tillë të operës si Richard Wagner dhe Arturo Toscanini. Kultura e gjysmës së dytë të shekullit të 20-të është e lidhur pazgjidhshmërisht me emrin e saj. Në fillim të viteve 1950, në prag të fenomenit të postmodernizmit, kur opera e shekullit të 19-të u shndërrua në një anakronizëm estetik, Maria Callas e ktheu artin e operës në majën e Olimpit skenik. Duke ringjallur epokën e bel canto, Maria Callas nuk u kufizua në koloraturën virtuoze në operat e Bellinit, Rossini dhe Donizetti, por e ktheu zërin e saj në mjetin kryesor të shprehjes. Ajo u bë një këngëtare e gjithanshme me repertor që varionte nga seritë klasike të operës si Vestales e Spontinit deri te operat e fundit të Verdit, operat veriste të Puçinit dhe dramat muzikore të Wagnerit. Rritja e karrierës së Callas në mesin e shekullit të 20-të u shoqërua me shfaqjen e albumit të gjatë në regjistrimin e zërit dhe miqësinë me një figurë të shquar në kompaninë diskografike EMI, Walter Legge. Ardhja në skenën e teatrit të operës së një brezi të ri dirigjentësh si Herbert von Karajan dhe Leonard Bernstein dhe regjisorë filmash si Luchino Visconti dhe Franco Zeffirelli e bënë një ngjarje çdo shfaqje me pjesëmarrjen e Maria Callas. Ajo e ktheu operën në një teatër të vërtetë dramatik, duke bërë që edhe “trillet dhe peshoret të shprehin gëzim, ankth apo melankoli”. Maria Callas lindi në Nju Jork në një familje emigrantësh grekë. Në vitin 1936, nëna e Marias, Evangelia, u kthye në Athinë për të vazhduar arsimin muzikor të së bijës. Nëna donte të mishëronte talentin e saj të dështuar në vajzën e saj dhe filloi ta çonte në Bibliotekën e Nju Jorkut në Fifth Avenue. Maria filloi të dëgjonte muzikë klasike në moshën tre vjeçare, filloi të merrte mësime për piano në moshën pesë vjeçare dhe mësime vokale në moshën tetë vjeçare. Në moshën 14-vjeçare, Maria filloi të studionte në Konservatorin e Athinës nën drejtimin e ish-këngëtares spanjolle Elvira de Hidalgo. Në korrik 1941, në Athinën e pushtuar nga gjermanët, Maria Callas bëri debutimin e saj në Operën e Athinës si Tosca. Në vitin 1945, Maria Callas u kthye në Nju Jork. Pasuan një sërë dështimesh: ajo nuk u njoh me Toscanini, ajo refuzoi të këndonte pjesën e Cio-Cio-San në Metropolitan Opera për shkak të peshës së saj të madhe dhe shpresat për një ringjallje të Operës Lirike në Çikago, ku kishte shpresonte të këndonte, u prishën. Në 1947, Callas bëri debutimin e saj në skenën e amfiteatrit Arena di Verona në operën La Gioconda nga Ponchielli, të drejtuar nga Tullio Serafina. Takimi me Serafin ishte, siç tha vetë Callas: "Fillimi i vërtetë i karrierës sime dhe suksesi më i madh i jetës sime". Tullio Serafin prezanton Callas në botën e operës së madhe. Ajo këndon rolet e para në Aida e Verdit dhe Norma e Bellinit në fund të vitit 1948. Në fillim të vitit 1949, gjatë një jave, pjesët vokalisht të papajtueshme të Brünnhilde në "Die Walküre" të Wagner dhe Elvira në "Puritanët" të Bellinit krijuan fenomenin krijues të këngëtares Maria Callas. Ajo këndoi pjesë lirike, dramatike dhe koloraturë, gjë që ishte një mrekulli këndimi - "katër zëra në një fyt". Në vitin 1949, Callas shkoi në turne në Amerikën e Jugut. Në vitin 1950, ajo këndoi për herë të parë në La Scala dhe u bë "mbretëresha e prima donnas italiane". Në vitin 1953, EMI publikoi për herë të parë regjistrime të plota të operave me Maria Callas. Po atë vit ajo humbet 30 kilogramë. Callas e transformuar magjeps publikun në skenat operistike të Evropës dhe Amerikës në operat: "Lucia di Lammermoor" nga Donizetti, "Norma" nga Bellini, "Medea" nga Cherubini, "Il Trovatore" dhe "Macbeth" nga Verdi, "Tosca". ” nga Puccini. Në shtator të vitit 1957, në Venecia, në një ballo për nder të ditëlindjes së gazetares Elsa Maxwell, Maria Callas takoi për herë të parë Aristotle Onassis. Në pranverën e vitit 1959 në Venecia ata u takuan përsëri në një ballo. Pas kësaj, Onassis shkoi në Londër për një koncert Callas. Pas këtij koncerti, ai e ftoi atë dhe bashkëshortin e saj në jahtin e tij. Në fund të nëntorit 1959, gruaja e Onassis Tina bëri kërkesë për divorc, dhe Callas dhe Onassis në atë kohë u shfaqën hapur në shoqëri së bashku. Çifti u grind pothuajse vazhdimisht, dhe në vitin 1968, Maria Callas mësoi nga gazetat se Aristotle Onassis ishte martuar me të venë e Presidentit të SHBA Jacqueline Kennedy. Në vitin 1959, ndodh një pikë kthese në një karrierë të suksesshme. Kjo u lehtësua nga humbja e zërit të tij, një sërë skandalesh, divorci, një shkëputje me Operën Metropolitane, një largim i detyruar nga La Scala, një dashuri e pakënaqur për Aristotle Onassis dhe humbja e një fëmije. Një përpjekje për t'u rikthyer në skenë në vitin 1964 përfundon në një tjetër dështim. Në Verona, Maria Callas takoi industrialistin vendas Giovanni Batista Meneghini. Ai ishte dy herë në moshën e saj dhe e donte me pasion operën. Së shpejti Giovanni i rrëfeu dashurinë Marias, shiti plotësisht biznesin e tij dhe iu përkushtua Callas. Në vitin 1949, Maria Callas dhe Giovanni Meneghini u martuan. Ai u bë gjithçka për Maria: një bashkëshort besnik, një baba i dashur, një menaxher i përkushtuar dhe një producent bujar. Në vitin 1969, regjisori italian Pier Paolo Pasolini ftoi Maria Callas të luante në rolin e Medeas në filmin me të njëjtin emër. Edhe pse filmi nuk pati një sukses komercial, ai ka një interes të madh kinematografik, si të gjitha veprat e tjera të Pasolinit. Roli i Medeas ishte i vetmi rol jashtë operës për Maria Callas. Vitet e fundit Gjatë jetës së saj, Maria Callas jetoi në Paris, praktikisht pa lënë banesën e saj, ku vdiq në 1977. Ajo u dogj dhe u varros në varrezat Père Lachaise. Më vonë, hiri i saj u shpërnda në detin Egje. Foniatrë italianë (specialistë të sëmundjeve kordat vokale Franco Fussi dhe Nico Paolillo kanë përcaktuar shkakun më të mundshëm të vdekjes së divës së operas Maria Callas, shkruan italiani La Stampa (përkthimi i artikullit në anglisht i botuar nga Parterre Box). Sipas hulumtimit të tyre, Callas vdiq nga dermatomioziti, një sëmundje e rrallë e indit lidhës dhe muskujve të lëmuar. Fussi dhe Paolillo arritën në këtë përfundim pasi studiuan gjetjet në vite të ndryshme regjistrimet e Callas dhe duke analizuar përkeqësimin gradual të zërit të saj. Analiza spektrografike e regjistrimeve në studio dhe shfaqjeve të koncerteve tregoi se nga fundi i viteve 1960, kur përkeqësimi i aftësive të saj vokale u bë i dukshëm, diapazoni vokal i Callas në fakt kishte ndryshuar nga soprano në mezzo-soprano, gjë që shpjegonte ndryshimin në tingujt e notave të larta në të. Performanca Përveç kësaj, një studim i kujdesshëm Video regjistrimet e koncerteve të saj të vona zbuluan se muskujt e këngëtares ishin dobësuar ndjeshëm: gjoksi i saj praktikisht nuk ngrihej kur merrte frymë, dhe kur merrte frymë, këngëtarja ngriti shpatullat dhe tendos muskujt deltoid, domethënë në fakt. , ajo bëri gabimin më të zakonshëm kur mbështet muskulin vokal. Shkaku i vdekjes së Maria Callas nuk dihet me siguri, por besohet se këngëtarja ka vdekur nga arresti kardiak. Sipas Fussi dhe Paolillo, rezultatet e punës së tyre tregojnë drejtpërdrejt se infarkti i miokardit që rezultoi ishte një ndërlikim i dermatomiozitit. Vlen të përmendet se Callas e bëri këtë diagnozë (dermatomiozit) pak para vdekjes së saj nga mjeku i saj Mario Giakovazzo (kjo u bë e njohur vetëm në 2002). Rolet operistike të Maria Callas Santuzza - Mascagni "Nderi Rusticana" (1938, Athinë) Tosca - Puccini "Tosca" (1941, Opera Athinë) Gioconda - "La Gioconda" nga Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Puccini's ( 1948, Carlo Felice (Genovë) Aida - Aida e Verdit (1948, Opera Metropolitan, Nju Jork) Norma - Bellini's Norma (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden) , Londër; 1954, 1954, Lyric Opera, Chic Walküre e Wagner-it (1949-1950, Opera Metropolitane) Elvira - Puritanët e Bellinit (1949-1950, Opera Metropolitane) Elena - Mbrëmjes siciliane "Verdi (1951, La Scala, Milano) Kundry - Vagner's Parsifal (La Scaleta's Violettavi) La Scala) Medea - Medea e Cherubinit (1953, La Scala) Julia - "The Vestal" nga Spontini (1954, La Scala) Gilda - "Rigoletto" nga Verdi (1955, La Scala) Madama Butterfly (Cio-Cio-san) - "Madama Butterfly" nga Puccini (La Scala) Lady Macbeth - "Macbeth" nga Verdi Fedora - "Fedora" nga Giordano Anna Boleyn - "Anne Boleyn" nga Donizetti Lucia - "Lucia di Lammermoor" nga Donizetti Amina - "La Sonnambula" nga Bellini Carmen - "Carmen" nga Bizet

Joyce DiDonato është një këngëtare e famshme amerikane e operës, mezo-sopranoja. Konsiderohet si një nga mezo-sopranot kryesore të kohës sonë dhe interpretuesi më i mirë i veprave të Gioachino Rossini. Joyce DiDonato (i mbiemri Joyce Flaherty) lindi më 13 shkurt 1969 në Prier Village, Kansas, SHBA, në një familje me rrënjë irlandeze, i gjashti nga shtatë fëmijët. Babai i saj ishte drejtori i korit të kishës lokale, Joyce këndoi në të dhe ëndërronte të bëhej një yll i Broadway. Në 1988 ajo hyri në Universitetin Wichita Universiteti Shtetëror, ku kam studiuar vokal. Pas universitetit, Joyce DiDonato vendosi të vazhdojë arsimin e saj muzikor dhe në vitin 1992 hyri në Akademinë e Arteve Vokale në Filadelfia. Pas akademisë, për disa vite ajo mori pjesë në programet e trajnimit "Artist i Ri" në kompani të ndryshme operistike: në 1995 - në Operën Santa Fe, ku mori praktikë muzikore dhe bëri debutimin e saj operistik në skenën e madhe, por deri më tani në minore. rolet në operat "Martesa e Figaros" e W.A. Mozart, "Salome" e R. Strauss, "Kontesha Maritza" e I. Kalman; nga 1996 deri në 1998 - në Operën e Madhe të Houston dhe u njoh si "artisti fillestar" më i mirë; në verën e vitit 1997 - në Operën e San Franciskos në programin e trajnimit Merola Opera. Në procesin e studimit dhe praktikë fillestare Joyce DiDonato ka marrë pjesë në disa konkurse të famshme të këngës. Në vitin 1996, ajo u rendit e dyta në Konkursin Eleanor McCollum në Hjuston dhe fitoi audicionet e distriktit të Konkursit të Operas Metropolitan. Në vitin 1997, ajo fitoi çmimin William Sullivan. Në vitin 1998, ajo zuri vendin e dytë në konkursin Placido Domingo Operalia në Hamburg dhe vendin e parë në konkursin e George London. Në vitet në vijim, ajo mori shumë çmime dhe çmime të ndryshme. Joyce DiDonato filloi karrierën e saj profesionale në vitin 1998 duke performuar me disa kompani rajonale të operës në Shtetet e Bashkuara, më së shumti në Houston Grand Opera. Dhe ajo u bë e njohur për një audiencë të gjerë falë paraqitjes së saj në premierën botërore televizive të operës "Gruaja e vogël" e Mark Adamo. Në sezonin 2000-2001. DiDonato bëri debutimin e saj evropian, duke filluar direkt nga La Scala si Angelina në Hirushja e Rossinit. Sezonin e ardhshëm ajo zgjeroi njohjen e saj me audiencën evropiane, duke interpretuar në Operën e Holandës si Motra në Julius Caesar të Handel, në Operën e Parisit si Rosina në Berberin e Seviljes së Rossinit dhe në Operan Shtetërore të Bavarisë si Cherubino në Le nozze di Figaro të Mazart. dhe në programet e koncerteve "Glory" nga Vivaldi me Riccardo Muti dhe orkestrën e La Scala dhe "Ëndrra e një nate vere" nga F. Mendelssohn në Paris. Në të njëjtin sezon, ajo bëri debutimin e saj në Shtetet e Bashkuara në Operën Shtetërore të Uashingtonit në rolin e Dorabella në "Kjo është ajo që bëjnë të gjitha gratë" nga W.A. Mozart. Në këtë kohë, Joyce DiDonato ishte bërë tashmë një yll i vërtetë i operës me famë botërore, i dashur nga publiku dhe i vlerësuar nga shtypi. Karriera e saj e mëtejshme vetëm sa zgjeroi gjeografinë e saj të turneut dhe hapi dyert e shtëpive dhe festivaleve të reja të operës - Covent Garden (2002), Opera Metropolitan (2005), Opera Bastille (2002), Teatro Real në Madrid, Teatri i Ri Kombëtar në Tokio, Shteti i Vjenës Opera dhe të tjera.Joyce DiDonato ka mbledhur një koleksion të pasur çmimesh dhe çmimesh të ndryshme muzikore. Siç vërejnë kritikët, kjo është ndoshta një nga karrierat më të suksesshme dhe të qetë në botën moderne të operës. Dhe edhe aksidenti që ndodhi në skenën e Covent Garden më 7 korrik 2009 gjatë shfaqjes së Berberit të Seviljes, kur Joyce DiDonato rrëshqiti në skenë dhe theu këmbën e saj, nuk e ndërpreu këtë shfaqje, të cilën ajo e përfundoi me paterica, ose shfaqjet e planifikuara të mëvonshme, të cilat ajo i performoi nga një karrige me rrota, për kënaqësinë e audiencës. Kjo ngjarje "legjendare" u kap në DVD. Joyce DiDonato e filloi sezonin e kaluar 2010-2011 me Festivalin e Salzburgut dhe debutimin e saj si Adalgiz në "Norma" të Belinni me Edita Gruberova si Norma, më pas me një program koncerti në Festivalin e Edinburgut. Në vjeshtë, në Berlin ajo interpretoi rolin e Rosinës në Berberin e Seviljes dhe në Madrid si Octavian në Der Rosenkavalier. Viti u mbyll me një tjetër çmim, i pari nga Akademia Gjermane e Regjistrimit "ECHO Klassik", e cila e shpalli Joyce DiDonato "Këngëtarja më e mirë femër e vitit 2010". Dy çmimet e radhës ishin nga revista angleze për muzikën klasike "Gramophone", e cila e shpalli atë "Artistja më e mirë e vitit" dhe zgjodhi diskun e saj me ariet e Rossinit si "Recitalin më të mirë të vitit". Duke vazhduar sezonin në Shtetet e Bashkuara, ajo performoi në Hjuston dhe më pas me një koncert solo në Carnegie Hall. Opera Metropolitan e mirëpriti në dy role - faqja Isolier në "Count Ory" të Rossinit dhe kompozitorja në "Ariadne auf Naxos" të R. Strauss. Ajo përfundoi sezonin në Evropë me turne në Baden-Baden, Paris, Londër dhe Valencia. Faqja e internetit e këngëtares paraqet një orar të ngjeshur të performancave të saj të ardhshme; kjo listë vetëm për gjysmën e parë të 2012 përfshin rreth dyzet shfaqje në Evropë dhe Amerikë. Joyce DiDonato tani është e martuar me dirigjentin italian Leonardo Vordoni, me të cilin jeton në Kansas City, Missouri, SHBA. Joyce vazhdon të përdorë mbiemrin e burrit të saj të parë, me të cilin u martua menjëherë pas kolegjit.

Yulia Novikova është një këngëtare ruse e operës, soprano. Julia Novikova ka lindur në Shën Petersburg në vitin 1983. Ajo filloi të merrej me muzikë në moshën 4-vjeçare. Ajo u diplomua me nderime në shkollën e muzikës (piano dhe flaut). Për nëntë vjet ajo ishte anëtare dhe soliste e Korit të Fëmijëve të Televizionit dhe Radios së Shën Petersburgut nën drejtimin e S.F. Gribkova. Në vitin 2006 ajo u diplomua me nderime në Konservatorin Shtetëror të Shën Petersburgut. NË TË. Rimsky-Korsakov në klasën e vokalit (mësues O.D. Kondina). Gjatë studimeve në konservator, ajo interpretoi në studion e operës rolet e Suzanës (Martesa e Figaros), Serpina (Shërbëtorja dhe zonja), Marta (Nusja e Carit) dhe Violeta (La Traviata). Debutimi profesional i Yulia Novikova u zhvillua në 2006 në skenën e Teatrit Mariinsky si Flora në operën e B. Britten "Kthesa e vidës" (dirigjentë V.A. Gergiev dhe P.A. Smelkov). Julia mori kontratën e saj të parë të përhershme në teatrin e Dortmundit ndërsa ishte ende studente në konservator. Në 2006-2008 Julia interpretoi në Teatrin e Dortmundit rolet e Olympia (Tregimet e Hoffmann-it), Rosina (Berberi i Seviljes), Mbretëresha e Shemakha-s (Geli i Artë) dhe Gilda (Rigoletto), si dhe rolin e Mbretëreshës së Nata (Flauti Magjik) në Opera Frankfurt. Në sezonin 2008-2009. Julia u rikthye me rolin e Mbretëreshës së Natës në Operën e Frankfurtit dhe këtë rol e interpretoi edhe në Bon. Gjithashtu këtë sezon, Oscar (Un ballo in maschera), Medoro (Orlando Furious i Vivaldit), Blondchen (Rrëmbimi nga Seraglio) u shfaqën në Operën e Bonit, Gilda në Lübeck, Olimpia në Komische Oper (Berlin). Sezoni 2009-2010 filloi me një shfaqje të suksesshme si Gilda në produksionin premierë të Rigoletto në Komische Oper të Berlinit. Kjo u pasua nga Mbretëresha e natës në Operat Shtetërore të Hamburgut dhe Vjenës, në Staatsoper të Berlinit, Gilda dhe Adina (L'Elisir of Love) në Operën e Bonit, Zerbinetta (Ariadne auf Naxos) në Operën e Strasburgut, Olimpia në Komische Oper dhe Rosina në Shtutgart. Më 4 dhe 5 shtator 2010, Julia interpretoi rolin e Gildës në transmetimin e drejtpërdrejtë televiziv të “Rigoletto” nga Mantua në 138 vende (producent A. Andermann, dirigjent Z. Meta, regjisor M. Bellocchio, Rigoletto P. Domingo, etj. .). Në sezonin 2010-2011. Julia do të interpretojë si Amina (La Sonnambula) në Bon, Norina (Don Pasquale) në Uashington, Gilda në Komische Oper Berlin, Olimpia në Operën e Frankfurtit dhe Oscar, Mbretëresha e Natës, Zerbinetta dhe Adina në Operën Shtetërore të Vjenës. Julia Novikova gjithashtu shfaqet në koncerte. Julia performoi me Orkestrën Filarmonike të Duisburgut (dirigjent J. Darlington), me orkestrën e Deutsche Radio Philharmonie (dirigjent Ch. Poppen), si dhe në Bordeaux, Nancy, Paris (teatri i Champs-Elysees), Carnegie Hall (Nju Jork). Koncerte solo u zhvilluan në Festivalin Grachten në Amsterdam dhe në Festivalin Muziekdriedaagse në Hagë dhe një koncert gala në Operën e Budapestit. Në të ardhmen e afërt kemi një koncert me Orkestrën e Dhomës së Bernës dhe një koncert të Vitit të Ri në Vjenë. Yulia Novikova është fituese dhe laureate e disa garave ndërkombëtare muzikore: - Operalia (Budapest, 2009) - çmimi i parë dhe çmimi i publikut; — Debutimi muzikor (Landau, 2008) - fitues, fitues i çmimit Emmerich Smol; - New Voices (Gütersloh, 2007) - Çmimi i publikut; — Konkursi ndërkombëtar në Gjenevë (2007) - Çmimi i publikut; - Konkursi ndërkombëtar me emrin. Vilhelm Stenhammar (Norköpping, 2006) - çmimi i tretë dhe çmimi për performancën më të mirë të muzikës bashkëkohore suedeze. Informacion nga faqja zyrtare e këngëtares Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Teatri Kombëtar Akademik i Operas dhe Baletit Odessa është një nga shtëpitë më të vjetra të operës në Ukrainë. Hapja e ndërtesës së parë të teatrit u bë në 1810. Ndërtesa moderne u ndërtua në 1887 nga arkitektët F. Fellner dhe G. Helmer (“Bureau Fellner & Helmer”) në stilin vienez barok. Restaurimi i plotë i godinës së teatrit përfundoi në vitin 2007. Sipërfaqja e skenës - 500 sq. metra, numri i vendeve - 1636. P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov të drejtuara në teatër, i madhi Enrico Caruso, Fyodor Chaliapin, Solomeya Krushelnitskaya, Antonina Nezhdanova, Leonid Anvlovannacedraced dhe Leonid Annavlado Sabinovraced. Ndër solistët e shquar të teatrit është A. Azrikan. Prodhimet e suksesshme të trupës teatrore përfshinin: "Carmen", "La Traviata", "Il Trovatore", "Rigoletto", "Kozak përtej Danubit", "Cio-Cio-San", "Natalka-Poltavka", "Giselle ”, “Arrëthyesi” , “Bukuroshja e Fjetur”. Alexander Pushkin përmendi Teatrin Odessa në romanin e tij Eugene Onegin. Për 120 vjetorin e teatrit, Banka Kombëtare e Ukrainës lëshoi ​​monedha përkujtimore. Teatri i Operës dhe Baletit mund të quhet më i vjetri ndër institucionet kulturore të qytetit. Odessa mori të drejtën për të ndërtuar një teatër në 1804, dhe në 1809 ai ishte ndërtuar tashmë. Autori i këtij projekti është arkitekti i famshëm francez Thomas de Thomon, i cili në atë kohë ndërtoi një sërë ndërtesash në Shën Petersburg. Më 10 shkurt 1810 u bë hapja madhështore. Shfaqja e parë ishte opera me një akt të Frelich "Familja e Re" dhe vaudeville "E veja e ngushëlluar" nga trupa ruse e P.V. Fortunatov. Në 1873, teatri i vjetër u dogj plotësisht. Fatmirësisht nuk ka persona të lënduar. Arkitektëve vjenezë F. Fellner dhe G. Helmer iu kërkua të krijonin një projekt për një teatër të ri të qytetit, sipas projekteve të të cilit u ndërtuan teatro në shumë qytete evropiane (Vjenë, Budapest, Dresden, Zagreb, etj.). Kanë kaluar gati 11 vjet nga momenti i zjarrit deri në vendosjen e gurit të parë në themelet e teatrit të ri. Hapja e teatrit u bë më 1 tetor 1887. Në mars 1925, si pasojë e një zjarri të ri, skena u dogj plotësisht dhe salla u dëmtua. Teatri u rindërtua në një kohë të shkurtër dhe shfaqjet rifilluan një vit më vonë. Skena mori pajisje të reja teknike, u vendosën dy perde betoni të armuar, të cilat, nëse ishte e nevojshme, e shkëputnin skenën nga publiku dhe ambientet e shërbimit. Siç dëshmohet nga mbishkrimi në tabelën përkujtimore, më 10 prill 1944, flamuri i çlirimit të qytetit nga pushtuesit nazistë u ngrit në ballkonin e teatrit (nga rruga, gjermanët planifikuan të hidhnin në erë teatrin gjatë tërheqja e tyre). Shtëpia e Odesës është e famshme, para së gjithash, për arkitekturën e saj, dhe për sa i përket paraqitjes dhe të dhënave teknike nuk është inferiore ndaj teatrove më të mirë në Evropë. Në plan, ndërtesa përbëhet nga një sallë audiencash në formë patkoi, e rrethuar nga galeri, një holl dhe një skenë drejtkëndëshe me dhoma shërbimi. Përgjatë boshtit gjatësor të ndërtesës ka një portal me dy nivele me një papafingo të lartë të hyrjes kryesore, përgjatë boshtit tërthor ka galeri me tre arkadë të hyrjeve anësore. Paraqitja është radiale - kalimet për në dalje vendosen nga qendra përgjatë rrezeve në drejtime të ndryshme. Shkallët që të çojnë direkt në daljen e teatrit kanë gjithashtu nivele. Ndërtesa është e mbuluar me një sistem dërrase metalike, veshje zinku. Mbulesa e sallës së spektatorëve i ngjan sipërfaqes së një pjese të një elipsoidi, të prerë me rrafshe përgjatë boshteve horizontale dhe vertikale të simetrisë; në krye është një fanar i rrumbullakët me kupolë, i mbuluar me një majë të ulët. Ndërtesa e teatrit është bërë në stilin vienez barok. Nga ana e jashtme konstruktivisht përbëhet nga 3 kate. I pari (bodrumi) dhe i dyti, i zbukuruar vetëm me kolona të rendit toskan në lozhë, formojnë një tërësi, duken të mëdha dhe themelore, duke i dhënë ndërtesës një pamje statike. Kati i 3-të, më i lehtë, i hapur, me përpunim të rafinuar detajesh, me lozha të harkuara, kolona dhe pilastra të rendit jonik, fsheh peshën e kateve të poshtme dhe krijon iluzionin e lehtësisë. Efekte shtesë kontribuojnë në portikun e këndshëm dhe çatinë me kube. Ndërtesa duket se "rri pezull" mbi tokë. Mbi fasadë ngrihet një grup skulpturor që përshkruan muzën e tragjedisë teatrale Melpomene në një karrocë të tërhequr nga 4 pantera që ajo pushtoi. Më poshtë janë dy grupe skulpturore gjithashtu mitologjike: në të majtë Orfeu i luan citara centaurit, në të djathtë muza e vallëzimit Terpsichore kërcen me një vajzë. Në pedimentin e portikut, disa data tregohen me numra romakë: rreshti i parë - datat e fillimit dhe mbarimit të ndërtimit të teatrit (1884 - 1887), rreshti i dytë - fraza "teatri po digjej" dhe viti 1925, pastaj viti 1967 dhe fjala “rindërtim”. Përgjatë hyrjes qendrore ka grupe skulpturore që personifikojnë Komedinë dhe Tragjedinë: në të majtë është një fragment i tragjedisë së Euripidit "Hippolitus", në të djathtë është një episod nga komedia e Aristofanit "Zogjtë". Përgjatë pedimentit në nikat e rrumbullakëta të katit të sipërm ka buste të shkrimtarëve dhe kompozitorëve rusë: A. Pushkin, M. Glinka, A. Griboyedov, N. Gogol (skulptorët - F. Netali dhe F. Friedl, punime me llaç - L. Strictius nën drejtimin e F. Etel). Pjesa më e bukur e ndërtesës është pjesa e brendshme, kryesisht salla e audiencës, e krijuar në stilin e vonë francez rokoko dhe e zbukuruar me zbukurime llaçi të praruar. Përbërja që dekoron tavanin bazohet në 4 piktura medaljonesh nga Leffler bazuar në skenat e Shekspirit ("Hamleti", "Ëndrra e një nate vere", "Përralla e dimrit", "Si ju pëlqen"). Llambadari i madh në qendër të tavanit mahnit me elegancën e detajeve të tij të hapura. Format elegante të llaçit në nivelet, hollet anësore dhe përgjatë shkallëve që të çojnë te kutitë, llambat origjinale, shandanet dhe stolitë e brendshme prej bronzi tërheqin vëmendjen. Perdja e krijuar sipas skicës së A. Golovin mahnit me shijen e saj. Sipërfaqja e skenës - 500 sq. metra. Akustika unike e dhomës lejon që edhe një pëshpëritje nga skena të bartet në çdo cep të sallës. Në sallë, ndenjëset për spektatorët janë të vendosura në tezga, kutitë në benoir, rrethi i veshjes, nivelet e 1-rë dhe të dytë dhe në galeri. Ndër kutitë, spikat kutia "mbretërore" - në qendër të kateve të ndërmjetme, drejtpërdrejt përballë skenës. Në rreshtin e parë ka 12 vende. Për të ndaluar vendosjen e ndërtesës dhe formimin e çarjeve në strukturat mbajtëse të saj, në vitet 1951-1956 u punua për të forcuar themelin e teatrit duke e silikuar atë me xham të lëngshëm (rreth 6 milionë litra xhami të shkrirë u derdhën nëpër gropa në themeli). Në vitet 1965-1967, teatri u restaurua plotësisht, si jashtë ashtu edhe brenda. Qeveria e BRSS shpenzoi 4 milion rubla dhe 9 kg fletë ari të pastër. Megjithatë, këto masa nuk ndihmuan për shumë kohë - teatri u ndërtua mbi shkëmbinj sedimentarë, kështu që procesi i shkatërrimit të tij vazhdoi. Nga mesi i viteve 1990, ndërtesa kishte rënë në gjendje katastrofike dhe në vitin 1996, Kabineti i Ministrave të Ukrainës ndau fonde për një restaurim të ri të madh. Përfundimi i punës fillimisht ishte planifikuar për vitin 1999, dhe më pas u shty në mënyrë të përsëritur për shkak të mungesës së fondeve. Themeli u forcua me derdhjen e shtyllave të betonit. Restaurimi i plotë i ndërtesës përfundoi në vitin 2007. Teatri ka meritë të madhe në zhvillim kulturën muzikore në jug të Ukrainës. Këtu P.I. Tchaikovsky, M.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov, Eugene Ysaï, Pablo Sarasate dhe të tjerë performuan veprat e tyre, Enrico Caruso, Fyodor Chaliapin, Solomeya Krushelnitskaya, Antonina Nezhdanova, Leonid Sobinov, T. Geraldoni, kërcyer nga Anna Pavlova, Isadora Duncan, E.V. Geltser. Drejtuesit e shfaqjeve dhe koncerteve simfonike ishin A.G. Rubinstein, E.F. Napravnik, A.S. Arensky, A.K. Glazunov dhe të tjerë. Në vitin 1926 teatrit iu dha titulli “akademik”, në vitin 2007 iu dha statusi “kombëtar”. Teatri pret koncerte simfonike, në veçanti koncerte organesh, sepse teatri ka akustikën më të mirë në qytet dhe organo të integruar. Një shkollë baleti për fëmijë ka funksionuar në teatër për disa dekada - një institucion unik krijues në qytet dhe një "falsifikim i burimeve njerëzore" për trupën e baletit të teatrit. Teatri ka një trupë të madhe opere, ndër të cilat mund të vërejmë: Artisti i Popullit i Ukrainës Anatoli Bojko (bas), Artisti i Popullit i Ukrainës Valentina Vasilyeva (mezzo-soprano), Artisti i Popullit i Ukrainës Anatoli Kapustin (tenori), Artisti i Popullit i Ukrainës Lyudmila Shirina (soprano). Trupa e baletit të teatrit përbëhet nga 50 persona. Midis tyre, dallohen artistët e nderuar të Ukrainës Andrei Musorin dhe Elena Kamenskikh - pjesëmarrëse në turneun e lamtumirës së Rudolf Nureyev. Kryedirigjenti i Teatrit Kombëtar Akademik të Operas dhe Baletit të Odessa është profesori, Artisti Popullor i Ukrainës Yarema Antonovich Skibinsky. Balerinët bënë turne në Kanada, Japoni, Vietnam, Sri Lanka, Kinë, Hungari, Bullgari, Finlandë, Korenë e Jugut, Itali, Spanjë, Portugali - me Maya Plisetskaya, Indonezi, Zvicër, Suedi dhe vende të tjera. Ndër prodhimet më të famshme dhe të suksesshme të teatrit modern janë këto shfaqje: "Carmen", "La Traviata", "Trubadour", "Rigoletto", "Kozak përtej Danubit", "Cio-Cio-San", "Natalka". -Poltavka”, “Giselle”, “Arrëthyesi”, “Bukuroshja e Fjetur”. Në këto shfaqje salla zakonisht është plot. Alexander Sergeevich Pushkin "Eugene Onegin" (seksioni "Pjesë nga Udhëtimi i Oneginit"). Por mbrëmja blu tashmë po errësohet, është koha që ne të shkojmë shpejt në opera: Aty është Rossini i lezetshëm, i dashuri i Evropës - Orfeu... ... Por a ka vetëm hijeshi atje? Po lornjeta hetuese? Po takimet në prapaskenë? Një prima donna? dhe baleti?

La Scala (italisht: Teatro alla Scala ose La Scala) është një teatër opere me famë botërore në Milano (Itali). Të gjithë yjet kryesorë të operës gjatë dy shekujve të fundit e kanë konsideruar si nder të performojnë në La Scala. Teatri La Scala është shtëpia e trupës së operës, korit, baletit dhe orkestrës simfonike me të njëjtin emër. Ai është gjithashtu i lidhur me Akademinë e Teatrit La Scala, e cila ofron trajnime profesionale në muzikë, kërcim dhe menaxhim skenik. Në hollin e teatrit ka një muze në të cilin janë ekspozuar piktura, skulptura, kostume dhe dokumente të tjera që lidhen me historinë e operës dhe teatrit. Ndërtesa e teatrit u ndërtua me urdhër të Perandoreshës së Austrisë Maria Theresa sipas projektit të arkitektit Giuseppe Piermarini në 1776-1778. në vendin e kishës Santa Maria della Scala, prej nga vjen emri i vetë teatrit. Kisha, nga ana tjetër, mori emrin e saj në 1381 nga patronazhi i saj - një përfaqësues i familjes së sundimtarëve të Veronës me emrin Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Teatri u hap më 3 gusht 1778 me një produksion të operës së Antonio Salierit "Evropa e njohur". Në fund të shekullit XVIII - fillimi i XIX shekuj, në repertorin e teatrit u shfaqën opera të kompozitorëve italianë P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra. Në skenën e teatrit u zhvilluan premierat e operave të G. Rossinit "Guri i provës" (1812), "Aureliani në Palmyra" (1813), "Turku në Itali" (1814), "Magjia hajdut" (1817) dhe të tjera (në njëra prej tyre Caroline Unger bëri debutimin e saj në Itali), si dhe operat e J. Meyerbeer "Margarita of Anzhou" (1820), "Mërgimi nga Grenada" (1822) dhe një sërë veprash të Saverio Mercadante. Duke filluar nga vitet 1830, në repertorin e teatrit u shfaqën vepra të G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini, "Pirati" (1827) dhe "Norma" (1831) nga Bellini, "Lucrezia Borgia". vënë në skenë këtu për herë të parë (1833) nga Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) dhe Falstaff (1893) nga Verdi, Madama Butterfly (1904) dhe Turandot nga Puccini. Gjatë Luftës së Dytë Botërore, teatri u shkatërrua. Pas restaurimit të pamjes së tij origjinale nga inxhinieri L. Secchi, teatri u rihap në vitin 1946. Ndërtesa e teatrit është restauruar më shumë se një herë. Restaurimi i fundit zgjati tre vjet dhe kushtoi më shumë se 61 milionë euro. Së pari pjesë muzikore, e shfaqur në skenën e rinovuar më 7 dhjetor 2004, ishte opera e Antonio Salierit “Europe Recognized”. Numri i vendeve është 2030, që është shumë më pak se para restaurimit të fundit; numri i vendeve është zvogëluar për qëllime të sigurisë nga zjarri dhe rritjes së rehatisë. Tradicionalisht, sezoni i ri në La Scala fillon në dimër - 7 dhjetor (i cili është i pazakontë në krahasim me teatrot e tjera në botë) në Ditën e Shën Ambrozit, shenjt mbrojtës i Milanos, dhe përfundon në nëntor. Dhe çdo shfaqje duhet të përfundojë para mesnatës; nëse opera është shumë e gjatë, atëherë ajo fillon herët.

Shtëpia e Operës së Sidneit është një nga ndërtesat më të famshme dhe lehtësisht të dallueshme në botë, një simbol i qytetit më të madh të Australisë, Sidneit, dhe një nga atraksionet kryesore të Australisë - Predhat në formë vela që formojnë çatinë e bëjnë këtë ndërtesë të ndryshme nga asnjë tjetër. Bota. Shtëpia e Operës njihet si një nga ndërtesat e shquara të arkitekturës moderne dhe, së bashku me Urën e Harbour, ka qenë shenjë dalluese e Sidneit që nga viti 1973. Shtëpia e Operës së Sidneit u hap më 20 tetor 1973 nga Mbretëresha Elizabeth II e Anglisë. Shtëpia e Operës së Sidneit ndodhet në portin e Sidneit, në pikën Bennelong. Ky vend mori emrin e tij pas një aborigjeni australian, një mik i guvernatorit të parë të kolonisë. Është e vështirë të imagjinohet Sidnei pa Shtëpinë e Operës, por deri në vitin 1958 kishte një depo të rregullt tramvaji në vend të saj (përpara ndërtesës së operës kishte një fortesë, dhe më pas një depo tramvaji). Arkitekti i Teatrit të Operas është danezi Jorn Utzon. Pavarësisht suksesit të konceptit të predhave sferike, i cili zgjidhi të gjitha problemet e ndërtimit, duke qenë i përshtatshëm për prodhim masiv, prodhim preciz dhe lehtësi në instalim, ndërtimi u vonua, kryesisht për shkak të dekorimit të brendshëm të ambienteve. Ndërtimi i Operës ishte planifikuar të zgjaste 4 vjet dhe kushtonte 7 milionë AUD. Në vend të kësaj, opera mori 14 vjet për t'u ndërtuar dhe kushtoi 102 milionë dollarë! Shtëpia e Operës së Sidneit është një ndërtesë ekspresioniste me dizajn radikal dhe inovativ. Ndërtesa ka një sipërfaqe prej 2.2 hektarësh. Lartësia e saj është 185 metra dhe gjerësia maksimale është 120 metra. Ndërtesa peshon 161,000 tonë dhe mbështetet në 580 grumbuj, të ulur në ujë në një thellësi prej gati 25 metrash nga niveli i detit. Furnizimi i tij me energji elektrike është i barabartë me konsumin e energjisë elektrike të një qyteti me një popullsi prej 25,000 banorësh. Energjia elektrike shpërndahet në 645 kilometra kabllo. Çatia e ndërtesës së operës përbëhet nga 2194 seksione të parafabrikuara, lartësia e saj është 67 metra dhe pesha e saj është më shumë se 27 ton, e gjithë struktura mbahet në vend me kabllo çeliku 350 kilometra të gjatë. Çatia e teatrit është formuar nga një seri "predhash" të bëra nga një sferë betoni inekzistente me diametër 492 këmbë, që zakonisht quhen "predha" ose "velat", megjithëse ky nuk është përkufizimi arkitektonik i një strukture të tillë. Këto guaska janë krijuar nga panele betoni të parafabrikuara në formë trekëndëshi, të cilat mbështeten nga 32 brinjë të parafabrikuara të të njëjtit material. Të gjitha brinjët formojnë një pjesë të një rrethi të madh, i cili lejonte që skicat e çatisë të kishin të njëjtën formë, dhe i gjithë ndërtesa ka një pamje të përfunduar dhe harmonike. E gjithë çatia është e mbuluar me 1.056.006 pllaka azulejo në ngjyra të bardha dhe krem ​​mat. Edhe pse nga një distancë struktura duket se është bërë tërësisht nga pllaka të bardha, në kushte të ndryshme ndriçimi pllakat krijojnë të ndryshme skemat e ngjyrave. Falë metodës mekanike të vendosjes së pllakave, e gjithë sipërfaqja e çatisë doli të ishte krejtësisht e lëmuar, gjë që ishte e pamundur me mbulimin manual. Të gjitha pllakat janë prodhuar nga fabrika suedeze Höganäs AB me teknologji vetëpastruese, por pavarësisht kësaj, disa pllaka pastrohen dhe zëvendësohen rregullisht. Dy qemerët më të mëdhenj të guaskës formojnë tavanin e Sallës së Koncerteve dhe Teatrit të Operas. Në dhomat e tjera, tavanet formojnë grupe qemeresh më të vogla. Struktura e çatisë me shkallë ishte shumë e bukur, por krijonte probleme lartësie brenda ndërtesës, pasi lartësia që rezultonte nuk siguronte akustikë të përshtatshme në salla. Për të zgjidhur këtë problem, u bënë tavane të veçanta për të reflektuar zërin. Në guaskën më të vogël në anën e hyrjes kryesore dhe shkallëve madhështore është restoranti Bennelong. Pjesa e brendshme e ndërtesës është e dekoruar me granit rozë të sjellë nga rajoni i Taranës (New South Wales), dru dhe kompensatë. Për këtë projekt, Utzon mori çmimin Pritzker, nderimi më i lartë i arkitekturës, në 2003. Çmimi u shoqërua me fjalët: "Nuk ka dyshim se Shtëpia e Operës së Sidneit është kryevepra e tij. Është një nga ndërtesat më të mëdha ikonike të shekullit të 20-të, një imazh me bukuri të jashtëzakonshme që është bërë i famshëm në të gjithë botën - një simbol jo vetëm të qytetit, por të gjithë vendit dhe kontinentit " Shtëpia e Operës së Sidneit është shtëpia e katër prej kompanive kryesore të artit të Australisë - Opera Australian, Baleti Australian, Kompania e Teatrit Sydney dhe Orkestra Simfonike e Sydney - dhe shumë kompani dhe teatro të tjera janë të vendosura në Shtëpinë e Operës së Sidneit. Teatri është një nga qendrat më të ngarkuara të qytetit të arteve të shfaqjes, që pret afërsisht 1500 shfaqje në vit me një frekuentim total prej më shumë se 1.2 milion njerëz. Është gjithashtu një nga atraksionet më të njohura të Australisë, me më shumë se shtatë milionë turistë që e vizitojnë atë çdo vit. Ndërtesa e Shtëpisë së Operës ka tre salla kryesore të performancës: - Salla e Koncerteve, 2679 vende, është shtëpia e Orkestrës Simfonike të Sidneit.Ajo përmban organin më të madh mekanik të punës në botë, me mbi 10,000 tuba. - Teatri i Operas, 1507 vende, është shtëpia e Shtëpisë së Operës së Sidneit dhe Baletit Australian. - Teatri Drama, 544 vende, i përdorur nga Sydney Theatre Company dhe kompani të tjera të kërcimit dhe teatrit. Përveç këtyre tre sallave, Shtëpia e Operës së Sidneit përmban disa salla dhe studio më të vogla.

Grand Teatro La Fenice (Gran Teatro La Fenice) është një shtëpi opere në Venecia, e shkatërruar vazhdimisht nga zjarri dhe e rindërtuar. Teatri është vendi i Festivalit Ndërkombëtar të Muzikës Bashkëkohore. Teatri La Fenice u ndërtua në 1790-1792. Emri "Phoenix" pasqyron faktin se teatri u "rilind nga hiri" dy herë. Në 1774, teatri kryesor i operës veneciane i asaj kohe, San Benedetto, u dogj deri në themel. Shoqëria administruese e restauroi atë, por humbi një mosmarrëveshje me pronarin e saj në gjykatë dhe humbi përsëri teatrin. Si rezultat, kompania vendosi të ndërtojë të sajën Shtepi e re operat. Ndërtimi filloi në qershor 1790 dhe përfundoi në maj 1792. Teatri u emërua "La Fenice", duke treguar një ringjallje. Ajo u hap më 16 maj 1792 me operën e Paisiello La Igre Agrigento. Më 13 dhjetor 1836, teatri u shkatërrua nga zjarri, por u rivendos shpejt në modelin e tij origjinal, nën drejtimin e arkitektëve Tommaso dhe Giambattista Meduna. Një vit më vonë, në 1837, teatri rihapi dyert e tij. Në shekullin e nëntëmbëdhjetë, La Fenice u bë vendi për premierat e shumë operave nga autorë të shquar italianë, në veçanti Gioachino Rossini (Tancred, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Bellini (Capulets dhe Montagues, 1830, Tandi Beatrice, 1830, Tandi Beatrice)18, dhe Giuseppe Verdi (“Ernani”, 1843, “Attila”, 1846, “Rigoletto”, 1851, “La Traviata”, 1853, “Simon Boccanegra”, 1857). Premiera e La Traviata-s fillimisht u përshëndet nga publiku në Phoenix. Në vitin 1930, Bienalja e Venecias nisi festivalin e parë ndërkombëtar të muzikës bashkëkohore. Në vitin 1937, teatri u rindërtua sipas projektit të Eugenio Miozzo. Premierat e shquara të shekullit të 20-të ishin prodhimet e operës "Përparimi i Rake" nga I. Stravinsky (1951) dhe "Kthesa e vidës" nga B. Britten. Më 29 janar 1996, godina e teatrit u shkatërrua përsëri nga zjarri, zjarrvënia u bë nga elektricisti Enrico Carella, i cili po përpiqej të shmangte penalitetet kontraktuale për vonesat në punë. Me mbështetjen e qeverisë, teatri u restaurua dhe u përurua më 14 dhjetor 2003. Në hapje performuan kori dhe orkestra e La Scala nën dirigjimin e Mutit. Në programin e festimeve për të shënuar ringjalljen e Fenice-s u shfaqën orkestrat më të mira në botë, duke përfshirë Orkestrën Filarmonike të Shën Petersburgut të drejtuar nga Yuri Temirkanov, i cili interpretoi vepra të Çajkovskit dhe Stravinskit.

Teatro Massimo (italisht: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) është një teatër opere në Palermo, Itali. Teatri mban emrin e mbretit Victor Emmanuel II. Përkthyer nga italishtja, Massimo do të thotë më i madhi, më i madhi - kompleksi arkitektonik i teatrit është më i madhi ndër ndërtesat e operës në Itali dhe një nga më të mëdhenjtë në Evropë. Në Palermo, qyteti i dytë më i madh në Italinë jugore, flitet prej kohësh për nevojën e një teatri opere në qytet. Në vitin 1864, kryetari i bashkisë së Palermos, Antonio Rudini, shpalli një konkurs ndërkombëtar për ndërtimin e një opere të madhe, e cila supozohej të zbukuronte pamjen e qytetit dhe të ngrinte imazhin e qytetit në dritën e unitetit kombëtar të Italisë së fundit. Në vitin 1968, si rezultat i një konkursi, u zgjodh arkitekti i famshëm në Siçili, Giovanni Battista Filippo Basile. Vendi ku ndodheshin kisha dhe manastiri i San Giuliano u identifikua për teatrin e ri; ato u shkatërruan, pavarësisht protestave të murgeshave françeskane. Sipas legjendës, "Ababesa e fundit e Manastirit" ende endet nëpër sallat e teatrit dhe ata që nuk besojnë në të gjithmonë pengohen në një hap ("hapi i murgeshës") kur hyjnë në teatër. Ndërtimi filloi me një ceremoni solemne të fillimit të themeleve më 12 janar 1875, por përparoi ngadalë, me mungesë të vazhdueshme fondesh dhe skandale, dhe u ngri për tetë vjet në 1882 dhe rifilloi vetëm në 1890. Në 1891, arkitekti Giovanni Basile vdiq para hapjes së projektit të tij; puna u vazhdua nga djali i tij Ernesto Basile. Më 16 maj 1897, 22 vjet pas fillimit të ndërtimit, teatri hapi dyert për dashamirët e operës; opera e parë e vënë në skenë ishte Falstaff e Giuseppe Verdit, me dirigjent Leopoldo Mugnone. Giovani Basile u frymëzua nga arkitektura e lashtë siciliane dhe kështu teatri u ndërtua në një stil të rreptë neoklasik me elementë të tempujve të lashtë grekë. Shkallët monumentale që të çojnë në teatër janë zbukuruar me luanë prej bronzi që mbajnë në shpinë statujat e grave - "Opera" dhe "Tragjedia" alegorike. Ndërtesa është e kurorëzuar me një kube të madhe gjysmërrethore. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni punuan në dekorimin e brendshëm të teatrit, i cili është projektuar në stilin e Rilindjes së vonë. Një holl i gjerë të çon në auditor; vetë salla është në formën e një patkoi; dikur kishte 7 nivele dhe ishte projektuar për më shumë se 3000 spektatorë; tani, me pesë nivele kutish dhe një galeri, ajo strehon 1381 vende. Sezonet e para ishin shumë të suksesshme. Falë biznesmenit dhe senatorit kryesor Ignazio Florio, i cili sponsorizoi teatrin dhe u përpoq ta bënte Palermon kryeqytetin e operës, qyteti tërhoqi shumë të ftuar, përfshirë kokat e kurorëzuara, të cilët vizitonin vazhdimisht teatrin. Dirigjentët dhe këngëtarët kryesorë kanë interpretuar në teatër, duke filluar nga Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi, e shumë të tjerë. Në vitin 1974, Teatro Massimo u mbyll për një restaurim të plotë, por për shkak të skandaleve të korrupsionit dhe paqëndrueshmërisë politike, restaurimi u zvarrit për 23 vjet. Më 12 maj 1997, katër ditë para njëqindvjetorit, teatri u rihap me shfaqjen e Simfonisë së Dytë të Mahlerit, por restaurimi nuk kishte përfunduar ende plotësisht dhe prodhimi i parë i operës u zhvillua në 1998 - Aida e Verdit dhe sezoni i rregullt i operës. filloi në vitin 1999

Metropolitan Opera është një shtëpi teatri muzikor në Lincoln Center në New York City, New York, Shtetet e Bashkuara. Teatri më i gjerë i operës në botë. Shpesh quhet shkurt "Meth". Teatri i përket skenave më të famshme të operës në botë. Drejtori artistik i teatrit është James Levine. CEO- Peter Gelb. Krijuar me fondet e shoqërisë aksionare të Metropolitan Opera House Company. Subvencionuar nga firma dhe individë të pasur. Opera Metropolitan u hap me një shfaqje të Faustit të Charles Gounod më 22 tetor 1883, me soprano suedeze Christina Nilsson që luante rolin kryesor të femrës. Teatri është i hapur shtatë muaj në vit: nga shtatori në prill. Rreth 27 opera vihen në skenë në sezon. Shfaqjet zhvillohen çdo ditë, me rreth 220 shfaqje në total. Nga maji deri në qershor teatri shkon në turne. Përveç kësaj, në korrik teatri jep shfaqje falas në parqet e Nju Jorkut, duke tërhequr turma të mëdha. Transmetimet e drejtpërdrejta në radio dhe televizion zhvillohen rregullisht. Orkestra dhe kori i teatrit punojnë në baza të përhershme, dhe solistë dhe dirigjentë ftohen me kontratë për një sezon ose për shfaqje specifike. Operat tradicionalisht kryhen në gjuhën origjinale. Repertori bazohet në klasikët botërorë, përfshirë kompozitorët rusë. Teatri i parë i Operës Metropolitan, i projektuar nga J. Cleveland Cady, ishte vendosur në Broadway, midis rrugëve 39 dhe 40. Në vitin 1966, teatri u zhvendos në qendrën e re Lincoln në Manhattan dhe ka një skenë kryesore dhe tre ato ndihmëse. Auditori kryesor ka 3800 persona dhe, pavarësisht nga madhësia e tij, është i njohur për akustikën e tij të shkëlqyer.

Grand Théâtre de Bordeaux (Grand Théâtre de Bordeaux, Francë) u hap më 17 prill 1780 me premierën e Afalia të Racine. Ndërtesa e teatrit u ndërtua në Sheshin e Komedisë. Pikërisht në këtë teatër i riu Marius Petipa vuri në skenë disa nga baletet e tij të para. Teatri u ndërtua sipas projektit të arkitektit Victor Louis (1731-1800), i cili fitoi Çmimin e Madh të famshëm të Romës. Louis projektoi gjithashtu galeritë që rrethojnë kopshtet e Palais Royal dhe teatrit Comedie-Française në Paris. Ndërtimi i ndërtesës së Teatrit të Madh të Bordeaux me një sallë për 1000 vende u zhvillua nga 1773 deri në 1780. Teatri i Madh i Bordo u konceptua si një tempull i artit dhe dritës, me një fasadë neoklasike të pajisur me një portik prej 12 kolonash kolosale të stilit korinthian që mbështesin një tablo mbi të cilën qëndrojnë 12 statuja që përfaqësojnë nëntë muza dhe tre perëndesha (Juno, Venus dhe Minerva ). Lartësia e objektit është 88 metra. Në 1871, teatri ishte për pak kohë selia e Parlamentit Francez. Brendësia e teatrit u restaurua në vitin 1991, auditori u rimodelua kryesisht, ngjyrat origjinale të brendshme të tij janë blu, e bardhë dhe ari. Fasadat e objektit janë restauruar dhe pajisur me ndriçim. Sot teatri është shtëpia e Operas Kombëtare të Bordosë si dhe Baletit Kombëtar të Bordosë. Gjithashtu shpesh pret koncerte simfonike të realizuara nga Orkestra Kombëtare e Bordo dhe Aquitaine. Grand Theatre de Bordeaux konsiderohet si një nga teatrot më të bukur francezë.

Opera Garnier (Opera e Parisit, Grand Opera) (Opera Garnier, Opera de Paris, Opera Garnier, Grand Opera) është një sallë opere në Paris, një nga shtëpitë e operës më të famshme në botë. Që nga viti 1989 (pas hapjes së shtëpisë së re të operës "Opera Bastille" në Paris), ajo filloi të mbante emrin e arkitektit "Palais Garnier" (Palais Garnier) ose "Opera Garnier", megjithatë, emrat e vjetër janë ende në përdorni. Ndërtesa është ndërtuar në vitin 1875 në stilin neo-barok (Perandoria e Dytë), është një monument historik dhe një kryevepër arkitekturore. Numri i vendeve - 1900. Sot të dyja institucionet (Opera Garnier dhe Opera Bastille) janë bashkuar në ndërmarrjen publike-tregtare "Opera e Parisit". Palais Garnier u projektua si pjesë e rindërtimit të madh të Parisit gjatë "Perandorisë së Dytë", të iniciuar nga Perandori Napoleon III, i udhëhequr nga Baroni Georges Haussmann (Haussmann). Arsyeja e menjëhershme për ndërtimin e teatrit të ri ishte përpjekja për vrasjen e perandorit, e cila ndodhi më 14 janar 1858. Napoleoni III do të vizitonte teatrin e operës Rue Le Peletier, revolucionarët italianë të udhëhequr nga Felice Orsini hodhën tre bomba në karroca perandorake dhe kortezhi që shoqëronte perandorin teksa i afrohej teatrit. Tetë njerëz vdiqën dhe rreth 150 u plagosën; rastësisht, vetë Napoleoni III dhe familja e tij nuk u plagosën; që atëherë e tutje, perandori refuzoi të vizitonte teatrin e vjetër dhe urdhëroi ndërtimin e një të riu. Në fund të vitit 1860, u shpall një konkurs arkitektonik për hartimin e "Akademisë Perandorake të Muzikës dhe Vallëzimit"; në 1861, arkitekti i panjohur 35-vjeçar Charles Garnier (1825-1898) u shpall fitues. Vetë projekti nuk shkaktoi shumë polemika dhe u pranua nga shumica, megjithatë, lindën mosmarrëveshje midis Garnier dhe Haussmann për rrethinat e pallatit - Garnier propozoi të bënte një park, dhe Haussmann një shesh dhe ndërtesa të larta. Guri i parë i themelit u hodh në 1861 dhe ndërtimi aktual filloi në 1862. Ndërtimi i teatrit të operës zgjati gati 15 vjet dhe u shoqërua me probleme të shumta. Një nga problemet e para dhe kryesore ishte toka kënetore dhe liqeni nëntokësor, të cilit iu desh gati një vit për t'u tharë. Në 1867 u bë hapja paraprake e teatrit; për Ekspozitën Botërore në Paris, perandori urdhëroi të përfundonte të paktën fasada kryesore dhe me nxitim të madh, shumë kohë përpara se të përfundonin të gjitha punimet, ndërtimi i fasadës përfundoi. . Legjenda thotë se pasi u hoq skela, gruaja e perandorit, perandoresha Eugenie, komentoi: "Çfarë është kjo, çfarë stili është ky? Ky nuk është stil! ...nuk është as grek, as romak, as Louis XV, madje as Luigji XVI”, për të cilin Charles Garnier u përgjigj: “Këto stile i përkasin së shkuarës... Është stili i Napoleonit III, zonjë.” More dështimet në procesin e ndërtimit i ndodhën teatrit më tej, gjatë Lufta Franko-Prusiane , kur ndërtesa e papërfunduar kishte magazina ushtarake, rënia e mëvonshme e Perandorisë së Dytë Franceze dhe e Komunës së Parisit. Gjatë kësaj kohe ndërtimet ndaluan dhe vazhduan herë pas here dhe u përfol se mund të ndërpritet ndërtimi i teatrit të operës. Një nxitje e re për të vazhduar ndërtimin ishte zjarri në Teatrin Le Peletier. Teatri Le Plettier ishte vendi kryesor i Operës dhe Baletit të Parisit që nga viti 1821. Më 29 tetor 1873, në të shpërtheu një zjarr; zjarri shpërtheu për 27 orë dhe shkatërroi plotësisht ndërtesën. Parisi kishte nevojë për një teatër të re opere; ishte çështje prestigji. Qeveria e re thirri përsëri Charles Garnier për të vazhduar punën dhe ndau forca dhe fonde të mëdha për këtë. Në fund të vitit 1874, ndërtimi përfundoi. Palais Garnier u përurua më 5 janar 1875. Në hapje kishte më shumë se 2000 të ftuar nga e gjithë bota, koncerti gala përfshinte disa skena nga vepra të ndryshme: "The Mute of Portici" nga Daniel Aubert, "Hebreu" nga Fromental Halévy, "William Tell" nga Gioachino Rossini. , "The Huguenots" nga Giacomo Meyerbeer dhe baleti "The Brook" Leo Delibes. Gjatë hapjes, ndodhi një incident - organizatorët e ngjarjes detyruan Charles Garnier të blinte një biletë, ky incident shkaktoi tallje nga shtypi: "qeveria e detyron arkitektin të paguajë para për të parë hapjen e krijimit të tij", duke theksuar kështu qëndrimi i autoriteteve të reja ndaj njerëzve të respektuar që punonin me perandorin e vjetër. I gjithë ndërtimi i pallatit rezultoi në një shpenzim total prej 36 milionë frangash në ar, në vend të 20 të planifikuarve. Kishte vende të papërfunduara, për shembull, Mirror Rotunda dhe Galeria e Duhanit. Ky i fundit nuk mbaroi kurrë. Opera Garnier është një ndërtesë me luks të jashtëzakonshëm si jashtë ashtu edhe brenda. Lobi kryesor i shkallëve është një nga vendet më të famshme të Opera Garnier. E veshur me mermer ngjyrash të ndryshme, ajo strehon një shkallë të dyfishtë që të çojnë në hollet e teatrit dhe katet e teatrit. Shkallët kryesore janë gjithashtu një teatër, skena ku parakalonte publiku i zgjedhur në ditët e krinolines. Katër pjesët e tavanit të pikturuar përshkruajnë alegori të ndryshme muzikore. Fojeri, ku spektatorët ecin gjatë pushimit, është i gjerë dhe i dekoruar në mënyrë të pasur. Qemeri i hollit të parë është i mbuluar me një mozaik të bukur me sfond të artë. Nga këtu ju keni një pamje të bukur të gjithë hapësirës së shkallëve kryesore. Fojeri i madh është projektuar nga Garnier në modelin e galerive shtetërore të kështjellave të vjetra. Loja e pasqyrave dhe dritareve i jep vizualisht galerisë edhe më shumë hapësirë. Në tavanin e mrekullueshëm, të pikturuar nga Paul Baudry, ka skena nga historia muzikore, dhe elementi kryesor dekorativ është lira. Është kudo në këtë mbretëri dekorative - nga harqet tek grilat e ngrohjes dhe dorezat e dyerve. Në qendër të hollit, pranë njërës prej atyre dritareve që shikon nga Avenue de l'Opera deri në Luvër, ndodhet një kopje e bustit të Charles Garnier nga skulptori Carpeaux. Në fund të galerisë me barin është Salloni Mirror - një rotondë e pastër dhe e ndritshme me një kërcim të rrumbullakët bacchantes dhe faunësh në tavan të pikturuar nga Clairin, me imazhe në muret e pijeve të ndryshme (çaj, kafe, portokall, shampanjë...), si dhe skena peshkimi dhe gjuetie. I përfunduar pas hapjes së Operës, salloni vazhdon të ruajë frymën e vitit 1900. Auditoriumi i stilit italian të kuq dhe të artë ka formën e një patkoi. Ndriçohet nga një llambadar i madh kristali që peshon gjashtë tonë, dhe tavani është pikturuar në vitin 1964 nga Marc Chagall. Karriget janë të veshura me susta prej kadifeje. Një perde madhështore prej pëlhure të lyer imiton perde të kuqe me gërsheta ari dhe xhufka. Opera Garnier u bë një shembull frymëzues arkitektonik në ndërtimin e shumë teatrove të tjerë. Arkitektët përdorën plotësisht ose pjesërisht elementë të këtij stili. Në Poloni, disa ndërtesa bazohen në dizajnin e Garnier - teatri në Krakov (1893) dhe Filarmonia në Varshavë (1901, i shkatërruar nga bombardimet në 1939 dhe i rindërtuar në një stil tjetër), në Ukrainë - Teatri i Operas Lviv (1901) dhe Teatri i Operës së Kievit (1901), në Brazil - Teatri Amazon në Manaus (1896) dhe Opera e qytetit në Rio de Zhaneiro (1909), në SHBA - Ndërtesa Jefferson (1897) dhe Biblioteka e Kongresit në Uashington, në Vietnam - Opera Hanoi (1911) dhe shtëpia e operës në qytetin Ho Chi Minh (1897), e ndërtuar gjatë kolonizimit të Vietnamit (Vietnam ishte një koloni e Francës), të gjitha janë kopje më të vogla të Opera Garnier.

Opera Bastille (opera de la Bastille) është një shtëpi moderne opere në Paris, Francë. E ndertuar ne vitin 1989. Së bashku me Opera Garnier formojnë ndërmarrjen publike-tregtare "Opera e Parisit". Është shtëpia më e madhe e operës në Evropë me një numër të përgjithshëm vendesh në sallën e madhe prej 2703. Propozimi për të ndërtuar një teatër të re të operës në Paris, përveç atyre ekzistuese, u paraqit në vitin 1968 nga një grup iniciativ i kryesuar. nga kompozitori Pierre Boulez, koreografi Maurice Béjart dhe regjisori Jean Vilar. Në vitin 1982, Presidenti François Mitterrand vendosi të ndërtojë një teatër të re opere në Paris, “moderne dhe popullore”, duke sjellë muzikën klasike në masë, të cilën Opera Garnier nuk mund ta përballonte më. Në vitin 1983 u organizua një konkurs ndërkombëtar, në të cilin u paraqitën 756 projekte nga më shumë se 1700 arkitektë. Fituesi i konkursit ishte një arkitekt pak i njohur me origjinë nga Uruguai dhe banues në Kanada, Carlos Ott. Për ndërtimin e ndërtesës së re të operës, u zgjodh një vend pranë Place de la Bastille, ku ndodhej një stacion hekurudhor joaktiv që i shërbente qytetit nga viti 1859 deri në 1969, i cili në kohën e prishjes kishte disa ekspozita. Çmontimi i stacionit të Bastilles filloi në 1984. Hapja madhështore e teatrit u bë më 13 korrik 1989 - në dyqind vjetorin e sulmit në Bastille në prani të shumë krerëve të shteteve të tjera. Teatri i Bastilës u hap me shfaqjen e "Nata para mëngjesit" të Bob Wilson dhe një koncert gala me pjesëmarrjen e Teresa Berganza, Placido Domingo, Barbara Hendricks dhe yje të tjerë të operës. Megjithatë, teatri filloi të funksionojë rregullisht vetëm më 17 mars 1990, me produksionin e operës Les Troyens të Hector Berlioz. Ndërtesa e teatrit është bërë kryesisht nga xhami blu-gri dhe është veçanërisht e bukur gjatë natës kur shkëlqen nga brenda. Salla e Madhe ka formë drejtkëndëshe, në vend të formës tradicionale të patkoit të shtëpive të operës, dhe publiku ulet para skenës. Teatri i ri ka një sistem kompleks platformash celulare me kontroll të automatizuar - nëntë skena mund të jenë gati në të njëjtën kohë dhe, nëse është e nevojshme, mund të ndryshojnë shpejt njëra-tjetrën dhe të kalojnë nga një shfaqje në tjetrën brenda një dite, duke alternuar shfaqjet. Brenda teatrit ka katër salla: një sallë e madhe me 2703 vende, një amfiteatër me 450 vende, një sallë studio me 237 vende dhe një sallë Gounod për provat e orkestrës. Kritika dhe mangësi: Edhe para fillimit të ndërtimit, ky projekt shkaktoi shumë kritika dhe skandale. Disa e gjetën ndërtesën tepër të madhe dhe të pafuqishme, që nuk përputhej me arkitekturën përreth dhe e quajtën atë një "behemoth". Vitet e para të funksionimit të teatrit u shoqëruan me dështime të shpeshta të kontrollit të automatizuar të mekanizmave të skenës; më vonë ato u debuguan. Salla në vetvete është shumë e madhe dhe vendet janë të vendosura larg skenës, shkallët janë shumë të gjata, tingulli është "i ftohtë". Për shkak të konsumimit shumë të shpejtë të fasadës së ndërtesës që nga viti 1996, mbulesa e jashtme filloi të binte, gjë që ishte e rrezikshme për kalimtarët dhe për një kohë të gjatë teatri u detyrua të mbulohej me një rrjetë mbrojtëse. Shteti nisi një proces gjyqësor ndaj kontraktorëve, duke i akuzuar për punë jo cilësore. Shteti e fitoi këtë proces vetëm në vitin 2007 dhe filloi të rinovonte veshjen e ndërtesës, e cila ishte rrënuar.

Teatri Muzikor Shtetëror i Dhomës "Opera e Shën Petersburgut" është një teatër opere në Shën Petersburg, Rusi. Teatri ndodhet në një rezidencë të vogël por shumë komode të Baron von Derviz. Teatri muzikor i dhomës u themelua në 1987 në Leningrad nga drejtori kryesor muzikor i Rusisë, i cili fitoi famë si novator arti i operës, Artist i nderuar i Rusisë, laureat i Çmimit Kombëtar të Teatrit "Maska e Artë", "Golden Sofit", Artist i Popullit i Rusisë YURI ALEXANDROV. Laboratori krijues “Opera e Shën Petersburgut”, siç u konceptua fillimisht nga regjisori, me kalimin e kohës u riorganizua në një Teatër Shtetëror profesionist, i njohur jo vetëm në vendin tonë, por edhe përtej hapësirës operistike ruse. Me gjithë rininë e tij, teatri tashmë ka një të pasur biografi krijuese . Gjatë njëzet e tre sezoneve, Teatri i Dhomës është shfaqur si një organizëm i vetëm krijues me një program unik, origjinal. Trupa e teatrit përfshin solistë të talentuar, muzikantë, shumë prej të cilëve janë Artistë të nderuar të Rusisë, laureatë dhe fitues të diplomave të garave ndërkombëtare dhe gjithë-ruse. Repertori i Operës së Shën Petersburgut paraqet të gjithë paletën e zhanreve të operës - nga opera komike, opera buffa deri te dramat muzikore, duke përfshirë operat e autorëve modernë: "Loja e Robin dhe Marion" nga Adam de la Alya, "Skifteri" nga Bortnyansky, "Trëndafili i bardhë" nga Zimmerman, "Unë besoj" nga Piguzov, "Qeni Piebald që vrapon buzë detit", "Udhëtimi i pestë i Kristofor Kolombit" nga Smelkov, "Bell", "Rita" nga Donizetti, "Eugene Onegin" nga Çajkovski, "Boris Godunov" nga Mussorgsky (në vitin 1996 nominuar për çmimin e Teatrit Kombëtar "Maska e Artë"), "Lojtarët - 1942" nga Shostakovich (në 1997 u dha Çmimin më të Lartë Teatri të Shën Petersburg "Golden Sofit". " në nominimin "Vepra e regjisorit më të mirë në teatër muzikor", në 1998 nominuar për çmimin e Teatrit Kombëtar çmimi "Maska e Artë"), "Rigoletto" nga Verdi (në 1998 nominuar për Çmimin e Teatrit Kombëtar "Maska e Artë"), "Kënga. i Dashurisë dhe Vdekjes së Kornetit Christoph Rilke" nga Mattus (në vitin 1999 dha Çmimin e Teatrit Kombëtar "Maska e Artë" në nominimin "Performanca më e mirë e Operas"), "Mbretëresha e lopëve" nga Tchaikovsky (e nominuar për Çmimin Kombëtar të Teatrit "Artë" Maskë" në 2000), "La Belle Helena" nga Offenbach, "Parajsa Antiformaliste" nga Shostakovich, "Adrienne Lecouvreur" nga Cilea, "Don Pasquale", "Pjetri i Madh - Cari i Gjithë Rusisë", ose Marangozi nga Livonia ” nga Donizetti, “Gianni Schicchi” nga Puccini e të tjerë. Teatri i Operës së Shën Petërburgut ka vënë në skenë opera që shfaqen në Shën Petersburg vetëm në skenën e Teatrit të Dhomës - "Rita", "Bell", Donizetti, "Skifteri" i Bortnyansky, "Martesa e Fshehtë" e Cimarosa, "Lojtarët - 1942", Parajsa antiformaliste "Shostakoviç, "Adrienne Lecouvreur" nga Cilea, "Pjetri i Madh - Cari i Gjithë Rusisë, ose Marangozi i Livonias" nga Donizetti. Pothuajse të gjitha këto opera u vunë në skenë për hera e parë në Rusi Teatri bëri turne në Finlandë, Zvicër, Gjermani, SHBA, Moskë dhe shumë qytete ruse Në vitin 1997, teatri organizoi dhe mbajti një festival muzikor nga Gaetano Donizetti, në të cilin u interpretua "Requiem" e kompozitorit italian. për herë të parë në Rusi. Për një kohë shumë të gjatë teatri nuk kishte vendin e vet dhe më në fund gjeti shtëpinë e tij. Ai u bë rezidenca e Baron von Derviz, e cila ndodhet në qendër të Petersburgut të vjetër në rrugën Galernaya, 33 . Hapja e ndërtesës së restauruar u bë në përvjetorin e Shën Petersburg - 27 maj 2003. Dhe premiera e parë, e cila filloi një raund të ri në historinë e Operës së Shën Petersburgut, u bë një ndjesi muzikore evropiane - melodrama lozonjare e Gaetano Donizetti "Pjetri i Madh - Cari i Gjithë Rusisë, ose Marangozi nga Livonia". Një rezidencë e vogël komode në rrugën Galernaya, e cila i përkiste Baron S.P. në fund të shekullit të 20-të. von Derviz, ka një histori të pasur muzikore dhe teatrale. Në fund të shekullit të 19-të, këtu u shfaqën shfaqjet "Shtëpia e shfaqjeve anësore", e vënë në skenë nga Vsevolod Meyerhold, i cili punonte në atë kohë me pseudonimin "Doktor Dapertutto". Në to morën pjesë poeti dhe muzikanti M. Kuzmin, artistët N. Sapunov dhe S. Sudeikin, artistët N. Petrov, B. Kazarova-Volkova. K. Stanislavsky, Vl.I. ishin spektatorë. Nemirovich-Danchenko, E. Vakhtangov, A. Chekhov dhe shumë artistë të tjerë. Që nga viti 1915, shtëpia filloi të quhet "Salla e Koncerteve dhe Teatrit", në të cilën u mbajtën koncerte me pjesëmarrjen e F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Duncan. Koncerte dhe shfaqje u zhvilluan në sallën e madhe të Bardhë me një skenë të pajisur posaçërisht. Këtu, për mrekulli (pas ngjarjeve të klubit të organizuara në kohët sovjetike), pjesa e brendshme u ruajt: mure me llaç barok me skulptura që simbolizojnë artet, një Genius fluturues me një lire në duar mbi portalin e skenës të dekoruar shumë, stema von Derviz në xhamin e dyerve të përparme. Janë ruajtur gjithashtu ambiente të tjera të brendshme të rezidencës: dhoma e ndenjes luksoze maure, e mbuluar me zbukurime të praruara, dhoma e ndenjes me panje, e zbukuruar me një panel piktoresk dhe Kopshti Dimëror, i bërë në formën e një shpelle të çuditshme. Pronari i parë i rezidencës ishte i famshëm burrë shteti gjysma e parë e shekullit të 18-të, ministrja e kabinetit nën Anna Ioannovna A.P. Volynsky, u ekzekutua në 1740 për pjesëmarrje në një komplot kundër Dukës Biron. Pastaj shtëpia ishte në pronësi të vajzës së tij, e cila u martua me Kontin I.I. Vorontsova. Në një kohë, shtëpia i përkiste tregtarëve Schneider, Balabin, pastaj Princ Repin. Në 1870, arkitekti F.L. Miller po ribërë fasadën dhe po shton një ndërtesë tjetër. Në 1883, shtëpia u ble nga Baroni S.P. von Derviz. Arkitekti P.P. Schreiber po rindërton shtëpitë në anën e Argjinaturës Angleze dhe Rrugës Galernaya, duke i bashkuar ato me një fasadë të përbashkët. Sergei Pavlovich von Derviz (1863 - 1918) është një pasardhës i familjes së lashtë Wiese, me origjinë nga Gjermania. Në mesin e shekullit të 18-të, John-Adolf Wiese, i cili shërbeu në Suedi, shkoi në shërbimin rus si këshilltar drejtësie dhe u ngrit në dinjitetin e fisnikërisë nga Perandoria e Shenjtë Romake, me shtimin e "von der". Djali Sergei kishte gradën e këshilltarit aktual të fshehtë dhe gradën e komandantit të gjykatës më të lartë. Ai zotëronte miniera dhe prona në provincat e Kievit, Ryazanit dhe Orienburgut. Ai, si nëna e tij, u bë i famshëm për aktivitetet e tij bamirëse. Vëmendja kryesore iu kushtua ambienteve të brendshme të shtëpisë, të cilat, sipas modës së asaj kohe, bëheshin në stile të ndryshme. Në vitin 1902, shtëpia në anën e argjinaturës u ndërtua në dy kate, duke humbur pamjen e një pallati. Në vitin 1909 S.P. von Derviz e shiti shtëpinë, duke e ndarë në tre pjesë. I pari u ble nga gruaja e gjenerallejtënant A.A. Ignatiev, majtas (përfshirë rezidencën në Galernaya) - N.N. Shebeko. Rezidenca iu nënshtrua rikonstruksionit sipas projektit të arkitektit A.P. Maksimov dhe në këtë formë ka mbijetuar deri më sot. Në vitet 1911 - 1913, këtu u vendos "Shtëpia e shfaqjeve anësore" të V. Meyerhold - një teatër-restorant inovativ, bohem me një repertor unik. Që nga viti 1913 - salla e teatrit N. Shebeko. Pas revolucionit - komiteti i rrethit të RCPb, Unioni i Punëtorëve të Metalit, Shtëpia e Arsimit estonez. Nga 1946 deri në 1991 - klubi Mayak. Më 27 maj 2003, në ditën e 300-vjetorit të Shën Petersburgut, pas një restaurimi të gjatë, pallati u kthye përsëri në një shtëpi teatri. Këtu dëgjohen opera dhe muzika simfonike, lindin prodhime të reja të Teatrit të Operës së Shën Petersburgut, i cili u themelua dhe u drejtua nga Yuri Alexandrov. Informacion nga faqja zyrtare e teatrit: http://www.spbopera.ru

Teatri Kombëtar Akademik i Operas dhe Baletit Donetsk me emrin. A.B. Solovyanenko është një shtëpi opere në Donetsk, Ukrainë. Ajo u krijua në 1932 në qytetin e Lugansk në bazë të Teatrit Mobile Opera të Bregut të Djathtë të Ukrainës. Dokumentet e Komisariatit Popullor të Arsimit të Ukrainës propozojnë, që nga 15 mars 1932, transferimin e Operas Mobile në Trustin e Teatrit Donetsk për shërbim të përhershëm për popullsinë e Donbass. Më 1 shtator 1932, opera e A. Borodin "Princi Igor" hapi sezonin e parë teatror. Drejtor artistik dhe drejtor i teatrit ishte Artisti i nderuar i Republikës Nikolai Nikolaevich Bogolyubov, drejtori muzikor dhe kryedirigjenti i teatrit ishte Artist i nderuar. të Republikës Alexander Gavrilovich Erofeev. Njerëzit e mëposhtëm punuan në teatër: dirigjenti Max Cooper, regjisori Alexander Zdikhovsky, koreografi Mark Tseitlin, artistët - Oles Vlasyuk, Eduard Lyakhovich. Në repertorin e teatrit në 1935: "Mbretëresha e Spades", " Eugene Onegin" nga P. Tchaikovsky, "Carmen" nga J. Bizet, "Faust" nga. Gounod, "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" nga G. Verdi, "Madama Butterfly" nga G. Puccini, " Pagliacci” nga R. Leoncavallo, “Berberi i Seviljes” nga G. Rossini, “Kozaku përtej Danubit” nga S. Gulak- Artemovsky, “Përrallat e Hoffmann” nga J. Offenbach; baletet: “Raymonda”, “The Red Poppy” nga R. Gliere, “Ferenji” nga B. Yanovsky. Teatri përbëhej nga 40 artistë kori, 45 artistë baleti, 45 artistë orkestrash dhe 3 solistë. Gjithsej në teatër kanë punuar 225 persona. Deri në vitin 1940, u identifikuan një grup mjeshtërsh të talentuar të skenës së operës: dirigjentët E.M. Shekhtman, A.F. Kowalski; drejtori A.A. Zdikhovsky, artisti E.I. Lyakhovich, P.I. Zlochevsky. Interpretuesit e parë që i sollën famë teatrit ishin Yuri Sabinin, Nadezhda Lototskaya, Alexander Martynenko, Pavel Nikitenko, Tamara Sobetskaya, Tamara Podolskaya dhe të tjerë.Në 1936 filloi ndërtimi i teatrit në Donetsk. Ludwig Ivanovich Kotovsky u emërua arkitekti kryesor i ndërtimit dhe Solomon Davidovich Krol u emërua inxhinier kryesor. Më 12 Prill 1941, Teatri Muzikor i Donetsk hap sezonin e tij në një ndërtesë të re teatri, e ndërtuar sipas projektimit të arkitektit Ludwig Ivanovich Kotovsky, me premierën e operës nga M.I. Glinka "Ivan Susanin" (prodhuesit: regjisorët I.M. Lapitsky, Y.S. Presman, dirigjenti A.F. Kovalsky, artisti E.I. Lyakhovich). Sot ndërtesa e teatrit është një monument arkitektonik. Drejtori i parë dhe drejtori artistik i teatrit ishte drejtor i shquar i operës, ndjekës i Sistemi Stanislavsky në teatrin muzikor, Artisti i nderuar i RSFSR-së Yosif Lapitsky. Artistët e parë mbërritën në Teatrin e Donetskut nga Moska, Leningradi, Kievi, Lugansk dhe Vinnitsa. Orkestra përfshinte muzikantët më të mirë të Teatrit të Operas dhe Baletit të Lugansk dhe Vinnytsia dhe Filarmonisë Rajonale Stalin. Që në ditët e para të organizimit të grupit, u punua me audiencën: shfaqje udhëtuese, biseda, koncerte. U kryen prodhime të reja të shfaqjeve të operës dhe baletit. Skema e repertorit për vitin 1941 përfshinte: operën "Faust" të Charles Gounod-it, premierë më 4 maj 1941, operën e R. Leoncavallo "Pagliacci", premierë më 22 maj, operën e G. Rossinit "Berberi i Seviljes", premierë në qershor. Më 7 gusht 1941 u zhvillua premiera e shfaqjes së parë të baletit "Laurencia" nga A. Crane. Pjesa e Laurencia u kërcye nga Nina Goncharova, më vonë Artiste e nderuar e Ukrainës. Lufta Patriotike Stafi i teatrit u evakuua në Republikën e Kirgistanit (fshati Sazanovka), dhe në qershor 1942 ata u transferuan në qytetin e Przhevalsk, ku vazhduan të punojnë për krijimin e shfaqjeve të reja dhe zhvilluan aktivitete koncertesh në njësitë ushtarake dhe spitalet. Në prill 1944, teatri u kthye nga evakuimi. Dhe tashmë në shtator 1944, në teatër u zhvillua premiera e operës së A. Borodin "Princi Igor". "Vallet Polovtsian" në opera u vu në skenë nga koreografi i Teatrit Bolshoi, Artisti i nderuar i Republikës Kasyan Goleizovsky. Teatri po bëhet qendra e kulturës muzikore të rajonit të Donetskut, një skenë për ukrainasit dhe të huajt, klasikë dhe modernë, artin e operës dhe baletit, operetën klasike dhe shfaqjet muzikore për fëmijë. Në vitin 1946, në teatër u organizua një studio koreografike, e drejtuar nga Claudia Vasina (soliste baleti e Operës Kombëtare të Ukrainës). Falë kësaj studioje, trupa e Donetsk u plotësua me artistë të rinj, të cilët kontribuan në vënien në skenë të shfaqjeve të baletit. Sukses të rëndësishëm arriti trupa e baletit të teatrit nën drejtimin e kryekoreografit të teatrit A.P. Girman. Në vitin 1947 u zhvilluan shfaqjet e para të baletit - baleti i B. Asafiev "Shatërvani i Bakhchisarai", i cili ishte në repertorin e teatrit për 38 vjet dhe "Lileya" nga K. Dankevich. Në vitin 1948 u shfaq premiera e baletit të P. Çajkovskit "Liqeni i Mjellmave". Në shtator 1947 Teatri Muzikor Rus i Donetskut u emërtua Teatri Shtetëror Rus i Operas dhe Baletit Stalin. Në vitin 1961 u emërtua Opera dhe Baleti Shtetëror Rus i Donetskut. Teatri.Në rrethet krijuese ish-BRSS Teatri i Donetskut u quajt "një laborator i operës moderne". Shumë meritë i takon kryeregjisorit të teatrit, Artistit Popullor të Ukrainës Alexander Afanasyevich Zdikhovsky, i cili gjatë viteve të punës së tij në teatër vuri në skenë më shumë se 70 shfaqje operash dhe muzikore. Për herë të parë në Ukrainë, në skenën e Teatrit të Operas dhe Baletit të Donetskut u vunë në skenë operat: "Fesimi në manastir", "Semyon Kotko" nga S. Prokofiev, "Don Juan" nga W.A. Mozart, " Andre Chénier" nga W. Giordano, "Yaroslav i Urti" "Y. Meitus dhe të tjerë. Teatri i Operas dhe Baletit në Donetsk ishte një nga të parët në Ukrainë që iu drejtua veprave të kompozitorëve modernë ukrainas, duke vënë në skenë shfaqjet "Panairi Sorochinskaya" , “Oksana” bazuar në poezinë e T. Shevchenko, “Slipa”, “Naymichka” V Homolyaks, “Marusya Boguslavka” nga A. Sveshnikov, “Kënga e Dhelprës” nga N. Skorulskaya, “Nezrazhena Love” nga L. Koloduba. , "Katerina" e N. Arkas, "Lileya" e K. Dankevich, "Kozak përtej Danubit" e S. Gulak- Artemovsky, "Natalka Poltavka" e N. Lysenko. Në skenë u vunë shfaqje të kompozitorëve të republikave kombëtare. të Teatrit të Donetskut: “Shuralle” nga F. Yarullin, “Keto dhe Kote” nga V. Dumbadze, “Spartak” nga A. Khaçaturian, “Një mijë e një netë” F. Amirova dhe të tjerë. Lavdia dhe krenaria e teatër në vite të ndryshme ishin artistët e famshëm: Y. Sabinin, E. Gorchakova, T. Podolskaya, A. Kolobov, A. Galenkin, Y. Gulyaev, A. Korobeychenko, N. Momot, V. Zemlyansky, G. Kalikin, R. Kolesnik, M. Vedeneva, A. Boytsov, regjisor - A. Zdikhovsky, artistë - V. Moskovchenko, B. Kupenko, V. Spevyakin; dirigjent - T. Mikitka, dhe në skenën e Teatrit Donetsk në vite të ndryshme të tillë kore dhe mjeshtra të skenës si artistë popullorë kërcenin dhe këndonin Bashkimi Sovjetik Ivan Kozlovsky, Sergey Lemeshev, Maria Bieshu, Olga Lepeshinskaya, Marina Semenova, K. Shulzhenko, A. Solovyanenko dhe shumë të tjerë. tjera. Më 2 nëntor 1977, teatrit iu dha titulli "akademik". Në 1992, shkolla e aftësive koreografike të Vadim Pisarev u krijua në teatër. Me një rezolutë të Kabinetit të Ministrave të Ukrainës të datës 9 dhjetor 1999, teatri u emërua pas A. B. Solovyanenko. Që nga viti 1993, teatri ka pritur festivalin ndërkombëtar "Yjet e Baletit Botëror", themeluesi dhe drejtori artistik i të cilit është Vadim Pisarev, Artist i Popullit i Ukrainës, laureat i garave ndërkombëtare të baletit në Moskë, Helsinki, Paris dhe Jackson. Tani Vadim Pisarev është drejtor artistik i teatrit dhe është i fokusuar në traditat dhe prodhimet e baletit klasik. Me kalimin e viteve, në festival morën pjesë rreth 300 nga kërcimtarët më të fortë nga 25 vende të botës. Në nëntor 2009 u zhvillua Festivali i XVI Ndërkombëtar "Yjet e Baletit Botëror". Në vitin 2009, teatri priti Festivalin e VI Ndërkombëtar të Shfaqjeve të Baletit për Fëmijë "Grand Pas" - më i riu dhe i vetmi në Ukrainë. I krijuar me përpjekjet e drejtuesve të teatrit, “Grand Pas” ka tashmë historinë dhe fansat e tij. Në festival marrin pjesë studentë nga shkolla të ndryshme koreografike nga Ukraina, vende të afërta dhe të largëta jashtë vendit. Sot, trupa e baletit të teatrit punëson mjeshtra tashmë të njohur dhe të rinj të talentuar që kanë fituar njohje në garat ndërkombëtare balerinët. Mësues dhe tutorë të talentuar dhe me përvojë punojnë me grupin e artistëve: kryekoreografi i teatrit, Artistja Popullore e Ukrainës E. Khasyanova, Artistja e Popullit e Ukrainës G. Kirillina, Artistja e nderuar e Ukrainës E. Ogurtsova. Spektatorët në shumë qytete dhe republika të ish-Bashkimit Sovjetik, si dhe jashtë vendit: Gjermani, Poloni, Çekosllovaki, Bullgari, Jugosllavi, Suedi, Austri, Norvegji janë të njohur me artin e operës dhe baletit të Teatrit të Operas dhe Baletit të Donetskut. Trupa e baletit të teatrit është e ftuar në turne në SHBA, Angli, Japoni, Kinë, Kore; trupë opere, orkestër simfonike dhe kor - në Itali, Spanjë, Zvicër. Kori i teatrit, nën drejtimin e kryekoormasterit të teatrit, Artistja Popullore e Ukrainës Lyudmila Streltsova, përveç pjesëmarrjes në turne teatrore, ka bërë turne të përsëritur me një program të madh koncertesh, duke përfshirë vepra të klasikëve koralë botërorë, në Spanjë, Zvicër, Belgjikë. , Francë etj.. Sot kori i teatrit njihet si një nga më të mirët në botë.Ukrainë. Repertori i teatrit përfshin shfaqje që nuk janë në asnjë teatër tjetër opere në Ukrainë: "Bogdan Khmelnitsky" nga K. Dankevich, "Falstaff", "Elisir of Love" nga G. Donizetti. Në vitin 2009, teatrit iu dha statusi " kombëtar". Ndërtesa e teatrit. Teatri i ndërtuar sipas projektit të arkitektit L. Kotovsky, i cili u përpoq të arrinte monumentalitetin solemn të formave, ekspresivitetin bindës dhe zgjidhjet e reja të planifikimit. Pas ripërpunimit të teknikave të kompozimit të Rilindjes, të ndërtuara mbi madhështinë e qetë dhe përmasat harmonike. vëllimesh, godina e teatrit kurorëzohet me basorelieve dhe skulpturë vëllimore, të cilat theksojnë dhe plotësojnë konceptin kryesor arkitektonik. Objekti i teatrit fillimisht ishte projektuar për produksione dramatike. Pas vendimit për krijimin e një teatri muzikor, u desh të bëhej një numri i rregullimeve të zgjidhjeve individuale të planifikimit gjatë procesit të ndërtimit.Arkitektura e teatrit u vendos në stil klasik. Fasada kryesore me lozhë ka pamje nga sheshi i teatrit. Lartësia e fasadës në anë të sheshit është rreth 30 metra. Ndërtesa ndodhet përgjatë aksit të Teatralny Avenue, midis rrugës Artema dhe bulevardit Pushkin. Sheshi dhe shkallët ofrojnë një qasje të përshtatshme për teatrin nga tre anët. Auditori, holli, tavanet dhe muret e teatrit janë zbukuruar në mënyrë luksoze me llaç dhe prarim të lehtë përkatës. Në kamare të veçanta në holl ka buste skulpturore të kompozitorëve, shkrimtarëve dhe vazo dekorative. Auditori është projektuar si kati përdhes për 650 vende dhe kat i ndërmjetëm për 320 vende, me ballkone të vogla. Buste të kompozitorëve dhe poetëve të shquar janë vendosur në kamare mbi katin e ndërmjetëm dhe ballkonet e auditorit. Forma e rreshtave të sediljeve në tezga dhe në kat i ndërmjetëm është e tillë që siguron shikueshmëri të mirë. Në qendër të tavanit të sallës është një llambadar i madh kristali. Teatri ka një skenë të mekanizuar, sipërfaqja e skenës kryesore është 560 metra katrorë. m Në 1989-1994. Në teatër u kryen punë rindërtimi dhe riparimi selektiv.

Dashamirët e muzikës klasike mund të debatojnë për orë të tëra se cilat opera janë më të mirat. Çdo kritik muzikor ka listën e tij, pa përmendur muzikantë, dirigjentë apo këngëtarë. Faqja e internetit Operabase, e cila mbledh të dhëna për performancat në më shumë se 700 vende të botës, e përpiloi të sajën bazuar në statistika. Redaktorët zbuluan se cilat opera interpretohen më shpesh nëpër botë dhe i shpallën ato më të mirat.

Foto nga Shutterstock

"La Traviata"

Opera La Traviata nga Giuseppe Verdi është parë më shpesh në posterat e shtëpive të operës në mbarë botën. Ajo u shfaq për herë të parë në Venecia më 6 mars 1853. Historia e një kortezane të bukur, e vendosur në sfondin e jetës shoqërore pariziane, plot dashuri, mashtrim, vetëflijim, pendim të vonë dhe përfundim vdekje tragjike personazhi kryesor nga konsumi në finale ishte i dënuar me sukses. Dueti midis Violetta dhe Alfredo "Sempre Libera" konsiderohet si arija më e mirë.

Në operën moderne, dueti i divës ruse Anna Netrebko dhe këngëtarit meksikan të operës Rolando Villazon njihet si një nga duetet më të mira që performojnë "Sempre Libera".

"Carmen"

Opera “Carmen” është kthyer në një fenomen në kulturën botërore. Melodi të njohura dhe arie të tëra prej tij dëgjohen në filma të panumërt, seriale televizive dhe madje edhe filma vizatimorë. Opera u prezantua për herë të parë në skenën e Parisit më 3 mars 1875. Libreti i tij bazohet në tregimin e famshëm me të njëjtin emër nga Prosper Mérimée. Baleti i famshëm Carmen Suite përdor muzikën e Bizet në një aranzhim orkestral nga Rodion Shchedrin. Aria më e famshme nga kjo opera është "Habanera".

Në rusisht, fjalët "Habaneras" (një nga përkthimet më të njohura) tingëllojnë kështu: "Dashuria, si një zog, ka krahë - nuk ka asnjë mënyrë për ta kapur".

"Bohemia"

Opera e Giacomo Puccinit nuk është vetëm një nga më të shpeshtat në botë, por ariet prej saj përfshihen gjithmonë në programin e koncerteve të këngëtarëve më të mirë të operës në botë. Kështu, “Che gelida manina” është një nga ato arie pa të cilat nuk përfundon asnjë performancë e të famshmit Luciano Pavarotti. Për herë të parë, historia tragjike e dashurisë së poetit Rudolf dhe rrobaqepëses së vogël Mimi, e shpalosur në sfondin e jetës së bohemisë pariziane, pa dritën e ditës në Torino në 1896.

"Flaut magjik"

Asnjë listë e operave të famshme nuk do të ishte e plotë pa veprat e shkëlqyer të Wolfgang Amadeus Mozart. Një nga operat e tij më të shpeshta është Flauti Magjik. Fillimisht u vu në skenë në Vjenë, me orkestrën që drejtonte vetë kompozitori. Kjo opera është një përjashtim i rrallë në mesin e tregimeve tragjike të paraqitura nga kompozitorë të famshëm; Flauti Magjik është me të vërtetë krijimi i Amadeusit "me diell". Personazhi kryesor- Princi Tamino - kalon të gjitha provat e magjistarit Sarastro dhe merr si shpërblim dashurinë e tij - vajza e Mbretëreshës së Natës, Pamino. Aria më e famshme e kësaj opere, "Der Holle Rache", interpretohet nga vetë Carina.

"Mall"

Listat e operave klasike më të njohura shpesh përfshijnë vepra të ndryshme nga i njëjti kompozitor. “Tosca” është shkruar edhe nga Giacomo Puccini. Libreti i operës bazohet në një shfaqje të krijuar posaçërisht për të madhen Sarah Bernhardt. Veprimi i shfaqjeve dhe operave zhvillohet në sfondin e ngjarjeve reale historike që ndodhën në Romë në verën e vitit 1800. Scarpia tinëzare, Tosca xheloze dhe e bukur, artisti i saj i dashur Cavaradossi - këta janë personazhet e tragjedisë që shpaloset para publikut. Aria e famshme "Vissi d'Arte" është veçanërisht e njohur e interpretuar nga sopranoja e mrekullueshme Maria Callas.

Foto nga Shutterstock

"Berberi i Seviljes" dhe "Martesa e Figaros"

Berberi i Seviljes është një operë komike nga Gioachino Rossini. Kjo histori për berberin dinak Figaro, i cili ndihmoi kontin Almaviva të merrte dorën e bukuroshes Rosina, është plot konfuzion, dinakërinë, keqkuptime dhe maskime. Opera “Martesa e Figaros” e Mozartit na tregon se çfarë ndodhi me heronjtë e kësaj historie disa vite më vonë. Këtu Almaviva nuk është më një djalë i ri i dashuruar, por një bon vivant i mërzitur që përpiqet të fitojë dashurinë e shërbëtores së bukur Susanna, e dashura e Figaros, e cila u bë oda e tij. Edhe opera e Mozartit është komike, e lehtë dhe me një fund të lumtur. Aria më e famshme është "Largo al factotum della citta".